Diabologum - #3 [1996]

«Ce n'est pas perdu pour tout le monde...»

Eran mediados de los '90 y con este su tercer disco los franceses Diabologum se colocaban entre los grandes del rock independiente con alma experimental. No es que sus anteriores trabajos (ya como Diabologum o con otros nombres) fueran mediocres, pero transitaban un poco por tierra de nadie dejando entrever muchas de sus influencias que iban desde la lo-fi hasta el noise, pasando por el slowcore (recordemos aquella versión de Codeine del Le goût du jour). Con #3 los galos daban un paso al frente, definiendo una voz propia y única, que los convertiría en adelante en todo un referente. Además también sería su último disco (olvidémonos de algún EP más que publicarían), las tensiones entre los dos motores creativos de la banda, Michel Cloup y Arnaud Michniak, llevarían a la ruptura dando lugar poco después a dos bandas que recogían el testigo, respectivamente: Expérience, a los que podríamos ver como el lado "positivo", más orientado hacia las canciones pop/rock, y Programme, el lado "negativo", con un tono más oscuro y experimental.





Pero, ¿en qué consiste este sonido propio del que hablo? Diabologum unía a la instrumentación clásica de un grupo de rock, con unas guitarras estridentes pero a la vez melódicas, la utilización de samplers y sonidos programados consiguiendo crear un sonido opresivo y asfixiante. Estos ambientes confieren al disco un tono un tanto depresivo que parte incluso de la propia portada. Los textos de gran calidad (hasta dónde puedo descifrar) son lanzados en un estilo a medio camino entre lo cantado y lo recitado, lo rapeado y lo hablado. Entre mis momentos favoritos del disco pondría las dos canciones que darían pie a dos singles/EPs, À découvrir absolument y 365 jours ouvrables; La maman et la putain (con un sampler que recoge un soliloquio de la película homónima de Jean Eustache) y Une histoire de séduction (ese piano me pone los pelos de punta). También contiene una irreconocible versión del Blank Generation de Richard Hell & The Voidoids.

Un pequeño clásico de los '90.

1 - De la neige en été
2 - Il faut
3 - Les angles
4 - Une histoire de séduction
5 - À découvrir absolument
6 - 365 jours ouvrables
7 - Dernier étage
8 - La maman et la putain
9 - Un instant precis
10 - Blank Generation

Descárgatelo aquí.

Técnica - 7'5
Originalidad - 8
Expresividad - 9
Lírica - 8
Plus personal - 0'5

Total - 8'625

Theory in Practice - Colonizing the Sun

Primer post mío en este gran blog. Empiezo con esta excelente banda sueca de death metal técnico. Han estado parados desde el 2004, aunque en teoría no están disueltos (esperemos que sea teoría en práctica). La última alineación del grupo fué un tanto peculiar y orientada más bien a la grabación del disco. Henrik Ohlsson, quien era batería hasta el momento y es el actual batería de Scar Symetry, se encarga de la voz en este disco, dejando la banqueta a Patrick Sjoberg, otro gran batería. Por tanto esta fué la formación de la banda durante la grabación de Colonizing the Sun:

Mattias Engstrand - Bajo, teclado
Peter Lake - Guitarras
Henrik Ohlsson - Voz
Patrick Sjoberg - Batería

Lo que más destaca en este disco son los ritmos progresivos y la espectacularidad técnica de la guitarra, pero sobre todo encuentro el disco muy innovador y original para ser del año 2002, gozando de estilo propio incluso hoy en día cuando ya tenemos muchísimo más material del género. Los riffs y los solos son muy creativos y complejos a lo largo de todo el disco, resaltando el sonido de las guitarras (foco principal del disco prácticamente). La batería se mantiene al ritmo frenético de los temas, destacando mucho el juego de pedales y las síncopas de la caja.

Los teclados acompañan muy bien marcando la armonía de fondo o doblando melodías de la guitarra y adquieren bastante protagonismo en ocasiones, demostrando Mattias su virtuosismo al doblar o relevar los solos de Peter.

El bajo es prácticamente inaudible y rara vez se oye lo que está haciendo, y aquí pasamos a otros puntos negativos a destacar en el tema mezcla. Al bombo en mi opinión quizá le faltan graves y llega a ser difícil de distinguir en ocasiones, ya que han abusado del refuerzo sobre los 4 a 5KHz como está de moda con muchos grupos de death metal pero parece que se han dejado los graves por el camino (y quizá un poco bajo el fader). El sonido de la caja es también bastante pobre, le faltan graves, volumen y dinámica, se puede notar por ejemplo en el fragmento acústico a partir de 1:04 en el tercer tema, The Psycomantum Litany. A esto hay que añadirle el volumen un tanto exagerado de las guitarras que hace que todo lo demás se quede por detrás y sin mucha fuerza. En conclusión: la batería se queda un poco de fondo.

La voz es bastante típica del género death metal melódico, aunque quizá no tan rasgada, pero en definitiva combina muy bien con la música y dejando claro que la batería no es lo único que se le da bien a Henrik.
La temática de las letras es bastante variada: el cosmos, evolución, clonación, rebelión de las máquinas, conspiración (Illuminati)... Una especie de combinación
de argumentos de películas de ciencia ficción.

Dejando aparte el tema mezcla, es un gran disco que ningún amante del death metal técnico y/o melódico debería perderse, con una gran creatividad y complejidad a nivel composición y técnica.

Os dejo como muestra el tema que para mí es el culmen de la obra de este grupo, y con el que los conocí, la canción que da título al álbum. Lo que más pasmado me dejó fué el solo y su armonía.



Y a continuación el tema que considero el segundo mejor del disco, riffs muy graves y agresivos, acentos cambiantes y un formidable solo de guitarra y teclado, alternando con la guitarra sola, doblada a terceras en el último tramo rápido.


Puntuación:

Técnica: 9,5
Expresividad: 7
Originalidad: 8
Lírica: 7
Plus. Opinión personal: +0,6

Nota media: 8,5

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Au Revoir Simone - The Bird of Music {2007}

Estoy de vuelta, después de haber disfrutado de mis exámenes y de mis vacaciones también. Y he pensado que ya esta bien con el punk.. No mas ruido en mis entradas hasta dentro de un tiempo. De hecho, os presento a las antípodas del punk(no en el aspecto de la complejidad xD): El electro/indie/dream/pop/azúcar de las estupendas Au Revoir Simone.

Conocí este trio de féminas teclistas (Si, todas tocan alguna clase de teclado, simultáneamente, como comprobareis más adelante) gracias a la misma persona a la que hoy le dedico esta entrada, uno de los más fieles seguidores de nuestro blog (y también del grupo en cuestión): Ark, alias Krynsar.

Musicalmente, estamos ante un grupo que busca la fácil belleza en simples melodías (muchas de ellas pegajosas), aunque a menudo acompañadas con cierta complejidad: además de tres teclados, tenemos tres vocalistas(cada una con su "estilo", por no decir que unas cantan mejor que otras xD), por lo que cuando se lo proponen pueden armar complejas polifonías.. Peeero no es frecuente, ya que resultaría demasiado pesado, y de hecho optan por la simplicidad casi siempre. La producción es muy buena, los sonidos que emiten sus sintetizadores muy agradables, etcétera.

Este es el segundo de un total de tres discos, y para mí el mejor (El primero no lo he oido). Como es música bastante comercial abundan los videoclips, que os invito a ver en youtube, ya que no hablaré de ellos porque me parecen de los peores temas del disco, y que lo mejor que tienen son las faldas floreadas que llevan ellas. En su lugar pondré de muestra el primer track, "The Lucky One", que me parece de los más expresivos y bellos, ingenuo, inocente, como añorando una dorada infancia.


Antes de hablar de la segunda muestra, voy a citar un dato importante: A pesar de no ser, ni mucho menos, mi género preferido, cuando hace unos años fui a un concierto suyo con el ya citado Krissia, me quedé fascinado y sin duda fue y sigue siendo la mejor exposición musical en vivo y en directo a la que he asistido. Llegamos con 10 horas de antelación, lo menos, porque creíamos que habría cola.. Acabamos solos en el edificio con nuestras musas y conseguimos autógrafos y todo xD. Pasaron eones y empezó el concierto, que tuvo una puesta en escena buenísima, muy buen ambiente y también buena música. Pero....... No tocaron su mejor tema, el primero que conocí de ellas, el clásico, el mítico, el críptico, : -THE FLAME-. Por más que lo pedimos a gritos ni puto caso, y jamás se lo perdonaré. Y por eso, traigo hoy a este blog "A Violent yet Flammable World" (Así se llama de verdad). He hablando demasiado del concierto así que me limitaré a decir que me parece delicada y épica armonía espacial, y que no moriré sin haberlo escuchado en directo.


Bueno, y hasta aquí llega mi entrada. Feliz cumpleaños Ark. (Perdón por retrasarme más de un mes). THE FLAAAAMEEEE! never dies.

-

Técnica: 6
Expresividad: 8
Originalidad: 7
Lírica: 7
+0,7

Nota Media: 7,7

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Jimsaku: Navel (1994)

¡Y sí! Vagando por oriente donde parece que me pasaré el verano... Además regresamos al Jazz Fusion con un duo formado por dos exmiembros de Casiopea (grupo de jazz fusion con bastante éxito en japón): Akira Jimbo (batería) y Tetsu Sakurai (Bajo).

¿Y qué tiene este grupo de especial? Posiblemente no mucho, excepto por el protagonismo que adquieren evidentemente el bajo y la batería. Notaremos que muchos temas cuentan con instrumentos adicionales, teclados, guitarras, metales, violín incluso; en definitiva, instrumentos típicos en el género que constituirán temas con un sonido tambien típico, aún así, quizás algo más interesante en el disco es el contar con temas con únicamente batería y bajo y algún otro tema con sólo un par de instrumentos adicionales conservando gran protagonismo de bajo y compañía; por lo demás, no vamos a encontrar mucha novedad.

El disco por lo general tiene bastante energia, sobre todo los dos temas exclusivos de bajo y batería: Big Man y Guru Guru labyrinth. Uno de mis temas favoritos del disco junto a estos dos últimos, es Tokyo tower of power, que puede recordarnos a Trix, Casiopea, T-square y otros grupos de Jazz Fusion japoneses.

En conclusión, un buen disco a pesar de no ser especialmente destacable, cumple su función: melodias variadas, cierta complejidad, buena técnica y para algunos tendrá el plus de ser instrumental y algo versátil.

Puntuación:

Técnica:  8,5 
Expresividad: 7 
Originalidad: 7 
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota Media: 7,2

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Muhal Richard Abrams - Levels and Degrees of Light (1968)

Muhal Richard Abrams es quizás una de esas piezas claves un tanto desconocidas de la escena Avant-garde del jazz de los años 60 y 70. Fundamentalmente conocido como pianista y compositor fue uno de los fundadores y primer presidente de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) organización dedicada a la difusión y promoción jazzística importante ya no sólo a nivel local en Chicago sino en los Estados Unidos en general. Ha publicado como líder más de una veintena de discos así como colaborado con innumerables artistas además de dedicarse a la docencia. Credenciales, por tanto, no le faltan.

Precisamente puede que este Levels and Degrees of Light (publicado por Delmark en 1968) sea uno de sus álbums más importantes, tanto por calidad musical como por suponer su debut como líder de una formación. El disco se compone de tres piezas de duración media-larga. La primera y que da título al álbum, parece querer ofrecer precisamente lo que sugiere su título, diferentes niveles y grados de luz. Abrams nos presenta una luz diáfana y limpia como la de los primeros rayos de sol en el despertar de la primavera. El comienzo de la pieza con la voz de Penelope Taylor, el vibráfono y demás percusiones consiguen reproducir ese tipo de atmósferas tan especiales. También es de destacar como, ya avanzada la canción, aparece el clarinete áspero y desgarrado de Abrams tomando la dirección del sonido y llevándolo a nuevos niveles.

En la segunda de las piezas, The Bird Song (algo así como La canción del pájaro o El canto del pájaro), estamos ante la representación tan habitual del pájaro como sinónimo de libertad, ya no sólo en el aspecto creativo sino también en el socio-político muy en sintonía con el espíritu del free jazz de los años 60-70. Comienza esta pieza con una breve introducción seguida del recitado en solitario de David Moore (la declamación poética, con sus ritmos y acentos, consigue también crear un efecto "musical" en el oyente). Al final de sus palabras se abren paso el contrabajo (tocado con arco) y el violín de Leroy Jenkins, acompañados de cantos de pájaros pregrabados, campanas y demás percusiones en lo que parece un auténtico despertar de bandadas de pájaros (quien haya vivido o viva cerca de alguna población de pájaros sabe de lo que hablo). Y de repente estalla el caos. Cesan las cuerdas, el contrabajo se pasa al pizzicato, entran Abrams al piano y uno de los saxos con la batería en estado de ebullición. Poco después entra el segundo saxo liberando aun más al conjunto en uno de los momentos más excitantes del disco con los diálogos entre Anthony Braxton (en lo que es su primer registro fonográfico) y Kalaparusha Maurice McIntyre, chillando y aullando, buscando los límites de sus instrumentos. El tema acaba con una vuelta al comienzo con los cantos de pájaro pregrabados, las cuerdas frotadas y las campanas.

La tercera y última de las piezas, podríamos decir que es la más "jazzística". Se abre con la exposición del tema con el cántico My Thoughts Are My Future - Now and Forever (Mis reflexiones son mi futuro - ahora y por siempre) para después abrir paso a los diferentes solos. Comienza Abrams al piano con su estilo, abrumador y frenético, y después se van alternando los dos saxos y la batería. Mención a parte pienso que se merece el trabajo del contrabajista Charles Clark tanto en su solo como en el disco en general. Hacia el final vuelve a sonar el conjunto para acabar nuevamente con la voz de Penelope Taylor acompañada de las campanas y del vibráfono de Barker. En suma, y como se extrae del título de la pieza, se trata de todo un manifiesto estético o declaración de intenciones.

Abrams y sus colaboradores dieron en el clavo con este disco, consiguiendo equilibrar diferentes polos: la composición y la improvisación; los solos y el conjunto; la calma y el caos. Estamos ante todo un clásico del jazz de vanguardia que sirvió a su autor como una muy buena primera piedra sobre la que poder edificar su discografía y que seguro hará las delicias de cualquier amante del género.

Intervienen:
- Muhal Richard Abrams: piano y clarinete
- Anthony Braxton: saxo alto
- Maurice McIntyre: saxo tenor
- Leroy Jones: violín
- Gordon Emmanuel: vibráfono
- Charles Clark: contrabajo
- Leonard Jones: contrabajo
- Thurman Barker: batería
- Penelope Taylor: voz
- David Moore: recitado

Descárgatelo aquí






Puntuación:
Técnica - 8.75
Originalidad - 8
Expresividad - 8
Lírica - Mi inglés no me da para comprender perfectamente las letras, las busqué por internet pero no hubo suerte. Así que dejo la nota en blanco.
Plus. Opinión personal - +0'5
Total - 8'75

Gostwind: korean Road (2006)

Seguimos en oriente, esta vez un grupo de Folk Metal desde Corea del sur. Puede que no sea precisamente virtuoso, ni tampoco muy innovador por aquello de mezclar música tradicional con el Metal, pero sí puede resultar algo curioso y entretenido, además de ofrecernos un sonido distinto a lo que acostumbramos a oir, no por originalidad, si no diferencias culturales.

Para empezar, tenemos una vocalsita con una voz un tanto peculiar, utilizando un estilo de canto tradicional, el pansori que originalmente sólo se acompaña de percursión, nos puede resultar chocante, extraño, raro, incluso la voz de la vocalistao nos puede parecer la de una niña pequeña, por ejemplo en Tears in memory y en ocasiones sutilmente rasgada. Además de esto otra característica folk del grupo es la inclusión de el daegeum, flauta travesera tradicional de corea, que junto a la vocalista se podrian considerar los aspectos más técnicos del grupo, pues guitarra bajo y batería sólo acompañan y no tienen un papel muy brillante, rozando en ocasiones lo simple.
Entre todo esto, tambien añadir que para el disco se incorporó un violín eléctrico interpretado por un músico de sesión, que ayuda a reforzar el sonido folklorista.

Aunque considerado Folk Metal se trata de un metal muy suave, al menos en este disco; ubicandose en el umbral entre el metal y el hard rock, aún así hay canciones más duras como Wing pero igualmente lo más interesante del disco es su influencia folk y no su sonido metal.

En definitiva, un grupo aceptable, curioso e interesante, pero nada espectacular ni sorprendente. Recomendado para quienes gusten del folk.

Puntuación:

Técnica:  7
Expresividad: 7,25
Originalidad: 7,25
Lírica: líricas no descifrables 
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota Media: 7,2

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Shi fu: The pond of fairy mother's abode (1999)

Vámonos por un momento a China. No puedo decir mucho de este disco, pues lo encontré fortuitamente mientras buscaba otra información de índole musical, además de ser de origen oriental resulta practicamente imposible recaudar información para quién no entienda chino, en este caso.

El disco en sí no es nada espectacular, más bien nos proporciona una serie de temas tranquilos, atmosfericos y relajantes con una fusión de música típica de china, tanto tradicional como clásica, con sutiles toques orientales.

Como es de esperar, nos vamos a encontrar con diversos instrumentos típicos de china. 
Entre estos instrumentos nacionales nos encontramos con un posible Erhu (pudiendose tratar de otro huqin arriesgo por el Erhu por ser el instrumento más conocido y utilizado a demás del típico solista) también conocido como "violín chino", a pesar de que existe otro huqin (instrumentos de cuerda con arco) con un registro más agudo: el Gaohu.
Este instrumento curiosamente puede sonar muy similar a la voz humana en determinadas ocasiones (sin articular palabras, obviamente), podemos encontrarlo en el quinto tema del disco; Ask For Today's Liquor junto a otros conjuntos de cuerdas.

En Changed Sentiment, uno de mis temas favoritos del disco, por no decir mi favorito, nos ofrece como protagonista a la flauta travesera de bambo Dizi.

A lo largo del disco también escucahremos a la flauta de pan; la pipa (laúd);  diversas cítaras, siendo la más clara el Guzheng, lo identificaremos fácilmente en el sexto tema, tratandose de esos arpegios tan familiares y típicos en la música china, entre otros, además de instrumentos occidentales como el piano y conjuntos de cuerdas

En conclusión, un disco agradable que intenta introducirnos en el sonido de la música china, a pesar de algunas desviaciones que hacen que no podamos considerar a este disco de folk puro, o una muestra de música étnica verdadera, pero por supuesto una atmosfera exótica para los amantes de la música de las distintas culturas.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 8 
Originalidad: 7,5
Lírica: *Instrumental*
Plus. Opinión personal: +0,1 

Nota Media: 8,1

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