Cis~Trance: Odoru Touhou Drift -'turbo- (2008)

Y volvemos a Asia otra vez, sólo que con un cambio radical en cuanto a estilo. Puede parecer que he estado evitandolo, pero he aquí mi primer aporte de música electrónica.

A pesar de que en el disco colaboran otros artistas, está a nombre del círculo Cis~Trance, de Dj-Technetium que elaboró la mayoría de temas a excepción del 4 y 6 (REDALiCE); 9 (Betwixt & Between).

El género del disco está considerado J-Core, género que no puede ser considerado como tal al igual que ocurre ocn otros géneros caracterizados por su pais de origen, como el J-pop o J-Jazz, ya que no se identifican por caracteristicas musicales.
J-Core de forma general podria referirsea a música electrónica procedente de Japón y con características Doujin, suele constituirse por varios géneros de música electrónicos, abundando el Speed Hardcore, Happy Hardcore y Makina, entre otros estilos discotequeros, por tanto el término J-Core no hace referencia a ningún estilo concreto.
No obstante, la caracteristica principal no se trata de su procedencia nipona, si no que se apoya en el material Otaku, es decir, las obras de este género se caracterizan por versionar la música procedente de videojuegos, series y peliculas a un estilo electronico. Puede que esto haga menguar notablemente la originalidad, sin embargo hay grupos que a pesar de estar versionando, añaden trabajo de cosecha propia dandole un toque personal y un sonido bastante diferente al del tema original al cual se versiona, recuperando así esta originalidad perdida, sin embargo otros se limitan a transportar la canción tal cual a un estilo distinto sin aportar novedades.

Este disco podemos considerarlo algo Underground debido únicamente a que no vivimos en japón, pues tanto el género como el material al cual se versiona son altamente populares en tierras niponas.

Cis~Trance y los colaboradodes también mencionados como REDALiCE, que de hecho ambos circulos suelen sacar discos conjuntamente, hacen por lo general conversiones de Touhou Project, saga de videojuegos que ha significado un gran movimiento Doujin gracias a que su autor al considerar su trabajo como Fanart no encuentra inconveniente en que se utilicen sus trabajos, tanto visuales como musicales, para que los fans hagan su propio material e incluso lo comercialicen en exposiciones diseñadas especificamente para esto.
Touhou Project es un videojuego denominado danmaku (cortina de fuego/balas), que muchos identificaremos como el clásico "mata-marcianitos" galaxian, pero en un plan bastante extremo enfocado más a esquivar. Su música es muy melódica y pegadiza, lo que provoca que existan centenares de grupos que la versionan, no solo en J-core, si no en cualquier estilo, aun así, hablar de touhou project no le compete a este blog, siempre podreis buscar información si quereis profundizar en el tema: articulo wikipedia sobre touhou.

En Odoru Touhou Drift -'turbo- como ya se ha dicho anteriormente, encontraremos diversos estilos electrónicos, predominando el Makina. Todos los temas son melódicos, rápidos y con bombos pesados, las melodias llevadas por un típico sintetizador repleto de filtros sobre formas de onda básicas. A su favor decir que para el transporte de estilo, las melodias y bases armónicas que constituyen las canciones originales han variado en algunos temas más significativamente que en otros, pero también mencionar que por lo general la armonía ha sido eliminada limitandola a un bajo que marca la tónica sin disponer de terceras para determinar la armonía con más precisión, aunque en algunos temas encontraremos efectos más envolventes construidos con acordes. También mencionar que no se aporta gran novedad al estilo electrónico asique la originalidad por lo general no se verá muy equilibrada.

Notaremos que en muchos temas aparecen voces procesadas con el tono aumentado y loopeadas, es decir, repitiendose en bucle cortandose abruptamente haciendolas carentes de sentido, esto es algo típico en estos estilos de música electrónica, donde estas voces tienen una utilidad rítmica, no lírica.

Negativamente decir que por lo general los temas son muy repetitivos, aunque a mi parecer esto es algo que en la mayoria de las veces es propio en la música electrónica, por lo que en ocasiones puede tener una utilidad de ambient a pesar de no pertenecer a dicho género oficialmente, simplemente por su minimalismo y repetitivdad. Bien decir que esta música no está hecha precisamente para la escucha analítica, no goza de gran complejidad, siendo los ritmos abrumadoramente simples la mayoría de las veces, quizás encontremos el mayor trabajo en la calidad del sonido, lo cual hoy dia con tanto sintetizador virtual y samples ya preparados hace que pierda gran parte de su mérito.

Kyoto City Street Course (東京市街地コース) se trata de dos temas con un mismo nombre, posiblemente porque los temas originales a los cuales se versiona pertenecen al mismo personaje en el juego. Puedo hablar de ellos por igual porque son muy similares, con esos sintes que recurren a slides o pitch bending de una forma bastante exagerada y cómica, aunque personalmente es de lo que más me mola del disco.
Aquí de muestra uno de los temas que comparten nombre:

Chireiden - Blood Lake Stage (地霊殿　血の池ステージ) es uno de los temas que más me agradan del disco, se debe a la melodia, tanto del tema original que tambien me agrada, pues dista bastante de la esencia musical de touhou, lo cual tambien se debe a que el tema original se basó en parte de la OST de evangelion.

Touhou Rainbow Road (東方レインボーロード) cuyo tema, también a simil del original, es de mis favoritos de la saga Touhou. Este tiene un estilo algo distinto de lo expuesto hasta ahora, con un bombo mucho más extremo y distorsionado.

En definitiva, musicalmente no es destacable, pero cuanto menos curioso y novedoso en el blog.
Reocmendado para los amantes de la música electronica y por supuesto para los touhou-fans.

Puntuación:

Técnica: 6,75
Expresividad: 7
Originalidad: 6,5
Lírica: *la "voz" no tiene función lírica*
Plus. Opinión personal: +0,3

Nota Media: 7

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Kiuas: The spirit of ukko (2005)

Bueno, me alejaré de Asia por un instante para presentar un grupo de Metal que en los tiempos cuando lo escuchaba, era algo Underground.
Se trata de Kiuas, grupo finés conocido por la mayoría de miembros actuales del blog, por lo que underground quizás deba ir algo entrecomillado, sobre todo a estas alturas cuado el grupo ya goza de 4 discos en su discografía, además teniendo en cuenta que su guitarrista Mikko Salovaara participó en el disco Guitar Heroes, sin embargo hay que decir que su popularidad no es comparable a la de otros grupos de calidad similar, o incluso peor.

Aunque muchas veces es etiquetado como Power Metal la verdad es que su estilo es algo más agresivo y complejo en cuanto a guitarra rítmica y batería que el Power común, teniendo tintes folk, trash, o incluso progressive. La lírica puede encajar en el power relativamente, pues a pesar de tener un corte épico en la mayoria de ocasiones, trata sobre paganismo y mitología, además el estilo vocal es bastante agresivo.

The Spirit of Ukko, su disco debut (ignorando la demo que contiene dos temas que no se encuentran en ningún otro disco), a mi parecer es uno de los mejores del grupo, pues creo que desgraciadamente el nivel ha ido disminuyendo en sus dos últimos, siendo fieles a su estilo pero recurriendo quizás al autoplagio, cayendo en la repetición y aburriendo al oyente, aunque esto es relativo a la crítica de cada uno, por lo que el declive es sólo en mi opinión, aún así los últimos discos me siguen agradando.

También desde la opinión personal, lo que más me agrada del grupo, independientemente del disco que se trate, es el trabajo de Mikko Salovaara en la guitarra y el de Ilja Jalkanen como vocalsita, a mi parecer muy caracteristico contundente y bastante versátil, manteniendo un tono bastante agresivo oscila entre un timbre rasgado a uno más limpio.

El trabajo de la guitarra como ya he dicho me parece uno de sus puntos más destacables, las ritmicas son bastante técnicas en comparación con otros grupos en los cuales se convierte en una mera base con abuso de quintas, se juega con las guitarras dobles muchas veces recurriendo a terceras y también un buen uso de armónicos, empleando la mayoría del tiempo un ritmico a la vez que protagoniza con la voz.

Y ahora, mencionar brevemente algunos temas del disco:

The spirit of Ukko es el tema homónimo del disco, desde el principio ya comprobamos lo dicho anteriormente. Una guitarra rítmica-solista doblada con cierta complejidad técnica y unas frases variadas sin tender a la constante repetición, aunque sí a la similitud. Una batería bastante pesada y variada que no se encasilla en el doble bombo continuo y repetitivo típico del power genérico. También apreciaremos el uso del teclado que o bien puede estar imitando a la guitarra en algunas ruputas de frase, lo cual es algo también característico del sonido de Kiuas, o ir más por su c uenta con cierto protagonismo del que no gozaría en otros grupos, sin embargo sigue siendo bastante eclipsado por el resto de la instrumentación.

Warrior Soul quizás sea uno de los temas que más definen a Kiuas, también siendo uno de sus temas más conocidos. Respecto a la instrumentación, lo dicho anteriormente.

Across The Snows es el tema al que hacia alusión antes, el que muestra cierto toque folk gracias a la guitarra limpia y la flauta, aunque seguidamente volvemos al sonido Kiuaseño.
También parte de la lírica se encuentra en finés.

Thorns of black rose tenía que ser nombrada, con una temática más romántica y sonido más baladesco, sin embargo, también nos encontraremos con unos riffs bastante pesados y un, a mi parecer, excelente trabajo del vocalista, donde podemos comprobar su versatilidad.

And the north star cried junto al anterior mencionado, otro de los temas que se pueden distanciar del estilo principal del grupo, este con un caracter más sinfónico.
Puede ser curioso pero en practicamente todos los duscos (por no decir todos) nos encontraremos con un tema de esta índole.

Y que decir que Kiuas formo parte de mis grupos favoritos hace un par de años.
Altamente recomendado.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 7,25
Originalidad: 7,75
Lírica: 7
Plus. Opinión personal: +0,6

Nota Media: 8,2

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Korenos: Asian Street Style

Bueno, aquí estoy de nuevo tras un veranito de bastante inactividad por mi parte en el blog. Continuando en mi linea de Jazz Fusion nipón topamos con Korenos, bastante similar a Jimsaku en cuanto a su relación con los grandes del Jazz Fusion nipón (que no precisamente Jimsaku y korenos son pequeños).

En este caso dos de sus musicos formaron parte del popular T-square, Hiroyuki Noritake en la batería y Mitsuru Sutoh en el bajo, que sigue participando en T-square además es también ser el bajista de TRIX. Por el momento parece que korenos sigue la linea de Jimsaku, pero en korenos contamos también con Hirokuni Korekata en la guitarra, quién curiosamente participa en Ottottrio trio guitarristico, junto a los guitarristas de Casiopea y T-square.

Como observamos, existe una clara relación entre los músicos de estos 5 grupos, habiendo tocado conjuntamente en numerosos conciertos.

Puesto que no he escuchado por el momento ningún otro disco de este grupo, exactamente igual que pasa con Jimsaku, la valoración será ajena al resto de su discografía, evitando comparaciones con otros trabajos.

El disco nos ofrece como es de esperar de estos músicos un jazz con mucha influencia del funk, un bajo y una batería muy elaborados coprotagonizando con una guitarra que lleva la melodia (aunque encontraremos algún solo de bajo) jugando con los modos, algo común en el Jazz.

Puede que no resulte especialmente original, pero en el ámbito técnico cumplirá con nuestras espectativas, siendo este notable. Por lo general un disco muy melódico aunque tambien algo rítmico, dejando la armonía un poco de lado.

El disco es bastante variado, con un buen equilibrio entre canciones movidas como el tema homónimo del disco del que hablaré más adelante, Azteca quizás el tema más duro del disco  o tambinén Fu-Ri-Ni-Ge que nos ofrece un solo de bajo bastante potente; y las más tranquilas como Color of your Mind en la que encontraremos un breve coro por boca de estos tres músicos, o uno de mis temas favoritos: 

Jewel Of Tha Snake cuya atmósfera generada por la batería y el bajo en un tempo andante da las bases para una guitarra  semi-distorsionada que interpreta unas melodias algo melancólicas otorgando a este tema un sonido místico y solitario, además a medida que avanza el tema la melodia se va fusionando con unos arpegios que pueden sugerirnos imaginar el reptar de la serpiente.

Otro de mis temas famoritos del disco es de nombre homónimo al título Asian Street Style, a pesar de que echo algo en falta el slap sustituido por una especie de walking bass.

También nos encontramos una pequeña "rareza", se trata de Acustic Medley y como su nombre indica se trata de un conglomerado de versiones acusticas de temas más populares, personalmente es la canción del disco que menos me gusta.

En definitivamente, si eres amante del Jazz, especialmente del J-Jazz, o si bien te han gustado otros discos de mismo género ya posteados en el blog como Trix o Jimsaku, Korenos será de tu agrado.

Puntuación:

Técnica:  8,5 
Expresividad: 7,75
Originalidad: 7 ,5 
Lírica: *Instrumental*  (prácticamente) 
Plus. Opinión personal: +0,4

Nota Media: 8,3

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Jimsaku: Navel (1994)

¡Y sí! Vagando por oriente donde parece que me pasaré el verano... Además regresamos al Jazz Fusion con un duo formado por dos exmiembros de Casiopea (grupo de jazz fusion con bastante éxito en japón): Akira Jimbo (batería) y Tetsu Sakurai (Bajo).

¿Y qué tiene este grupo de especial? Posiblemente no mucho, excepto por el protagonismo que adquieren evidentemente el bajo y la batería. Notaremos que muchos temas cuentan con instrumentos adicionales, teclados, guitarras, metales, violín incluso; en definitiva, instrumentos típicos en el género que constituirán temas con un sonido tambien típico, aún así, quizás algo más interesante en el disco es el contar con temas con únicamente batería y bajo y algún otro tema con sólo un par de instrumentos adicionales conservando gran protagonismo de bajo y compañía; por lo demás, no vamos a encontrar mucha novedad.

El disco por lo general tiene bastante energia, sobre todo los dos temas exclusivos de bajo y batería: Big Man y Guru Guru labyrinth. Uno de mis temas favoritos del disco junto a estos dos últimos, es Tokyo tower of power, que puede recordarnos a Trix, Casiopea, T-square y otros grupos de Jazz Fusion japoneses.

En conclusión, un buen disco a pesar de no ser especialmente destacable, cumple su función: melodias variadas, cierta complejidad, buena técnica y para algunos tendrá el plus de ser instrumental y algo versátil.

Puntuación:

Técnica:  8,5 
Expresividad: 7 
Originalidad: 7 
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota Media: 7,2

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Gostwind: korean Road (2006)

Seguimos en oriente, esta vez un grupo de Folk Metal desde Corea del sur. Puede que no sea precisamente virtuoso, ni tampoco muy innovador por aquello de mezclar música tradicional con el Metal, pero sí puede resultar algo curioso y entretenido, además de ofrecernos un sonido distinto a lo que acostumbramos a oir, no por originalidad, si no diferencias culturales.

Para empezar, tenemos una vocalsita con una voz un tanto peculiar, utilizando un estilo de canto tradicional, el pansori que originalmente sólo se acompaña de percursión, nos puede resultar chocante, extraño, raro, incluso la voz de la vocalistao nos puede parecer la de una niña pequeña, por ejemplo en Tears in memory y en ocasiones sutilmente rasgada. Además de esto otra característica folk del grupo es la inclusión de el daegeum, flauta travesera tradicional de corea, que junto a la vocalista se podrian considerar los aspectos más técnicos del grupo, pues guitarra bajo y batería sólo acompañan y no tienen un papel muy brillante, rozando en ocasiones lo simple.
Entre todo esto, tambien añadir que para el disco se incorporó un violín eléctrico interpretado por un músico de sesión, que ayuda a reforzar el sonido folklorista.

Aunque considerado Folk Metal se trata de un metal muy suave, al menos en este disco; ubicandose en el umbral entre el metal y el hard rock, aún así hay canciones más duras como Wing pero igualmente lo más interesante del disco es su influencia folk y no su sonido metal.

En definitiva, un grupo aceptable, curioso e interesante, pero nada espectacular ni sorprendente. Recomendado para quienes gusten del folk.

Puntuación:

Técnica:  7
Expresividad: 7,25
Originalidad: 7,25
Lírica: líricas no descifrables 
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota Media: 7,2

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Shi fu: The pond of fairy mother's abode (1999)

Vámonos por un momento a China. No puedo decir mucho de este disco, pues lo encontré fortuitamente mientras buscaba otra información de índole musical, además de ser de origen oriental resulta practicamente imposible recaudar información para quién no entienda chino, en este caso.

El disco en sí no es nada espectacular, más bien nos proporciona una serie de temas tranquilos, atmosfericos y relajantes con una fusión de música típica de china, tanto tradicional como clásica, con sutiles toques orientales.

Como es de esperar, nos vamos a encontrar con diversos instrumentos típicos de china. 
Entre estos instrumentos nacionales nos encontramos con un posible Erhu (pudiendose tratar de otro huqin arriesgo por el Erhu por ser el instrumento más conocido y utilizado a demás del típico solista) también conocido como "violín chino", a pesar de que existe otro huqin (instrumentos de cuerda con arco) con un registro más agudo: el Gaohu.
Este instrumento curiosamente puede sonar muy similar a la voz humana en determinadas ocasiones (sin articular palabras, obviamente), podemos encontrarlo en el quinto tema del disco; Ask For Today's Liquor junto a otros conjuntos de cuerdas.

En Changed Sentiment, uno de mis temas favoritos del disco, por no decir mi favorito, nos ofrece como protagonista a la flauta travesera de bambo Dizi.

A lo largo del disco también escucahremos a la flauta de pan; la pipa (laúd);  diversas cítaras, siendo la más clara el Guzheng, lo identificaremos fácilmente en el sexto tema, tratandose de esos arpegios tan familiares y típicos en la música china, entre otros, además de instrumentos occidentales como el piano y conjuntos de cuerdas

En conclusión, un disco agradable que intenta introducirnos en el sonido de la música china, a pesar de algunas desviaciones que hacen que no podamos considerar a este disco de folk puro, o una muestra de música étnica verdadera, pero por supuesto una atmosfera exótica para los amantes de la música de las distintas culturas.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 8 
Originalidad: 7,5
Lírica: *Instrumental*
Plus. Opinión personal: +0,1 

Nota Media: 8,1

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Los músicos de José: Los músicos de José (2005)

Volvemos al Jazz Fusion, esta vez nos llegan desde Mexico Los músicos de José, con elementos del Jazz, Funk y ritmos latinos, además de ser relativamente experimental. El nombre se debe a un amigo de los integrantes del grupo al que siempre le gustó la música de estos.
A parte de los instrumentos más comunes (Batería, bajo, guitarra y teclado) el grupo dispone de dos saxofones (uno tocado por el también teclista del grupo), trompeta y percursiones, esto favorece al estilo jazz y a las orquestaciones más bailables con toques latinos.

Aquí tenemos su primer disco homónimo, por el momento no he podido escuchar más discos de esta banda, pero sé de la existencai de al menos otro más.
El disco tiene una técnica bastante elaborada, con cambios de ritmo y variaciones en la atmósfera sonora en ocasiones muy bruscamente, aunque esto sólo depende del gusto del oyente. Abundan los ritmos latinos que invitan a moverse o como mínimo a marcar el pulso con el pie, mencionar por ejemplo La Ceiba bastante tranquilo en su mayoría, pero la percursión tiene bastante protagonismo.
Uno de sus temas a mi parecer más originales: Tu prima Chariguaya el tema carece de estribillo, desarrollandose progresivamente, avanzando por distintos pasajes, uno de ellos interesante al disminuirse la intensidad en todos los instrumentos (más interesante en live obviamente). En general no es un disco muy duro, centrandose más en el ritmo , aunque podemos encontrar Amaneceres, de los temas más  marchosos del disco, uno de mis favoritos.
El disco cuenta con Pedro, una adaptación de Pedro y el lobo de Sergéi Prokófiev.

En conclusión, si simpatizais con el Jazz Fusion, el Latin Jazz y demás, estoy convencido de que Los músicos de José os gustarán.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 7
Originalidad: 7
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,4

Nota Media: 7,9

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Shaun Baxter: Jazz Metal (1993)

Trabajo solitario del guitarrista Shaun Baxter, actual mienbro de Palmer, trio fundado por el célebre batería de rock progresivo Carl Palmer.

Se trata de un disco muy melódico y bastante técnico que mezcla elementos del Jazz con una guitarra muy distorsionada. Podemos encontrar armónicos bastante metaleros y poderosos, acordes de potencia con elevada distorsión y pasajes de picking veloces. En el resto de instrumentación veremos una percursión más jazzera que metalera, con bastantes variaciones de ritmo, un bajo muy melódico al que podremos escuchar hacer walkings y slap. Y todo esto será acompañado por un hammond que le de un toque jazzero y prog.

Jazz Metal se ve sometido a la duda por su pretencioso nombre, haciendo que nos planteemos si realmente se podría considerar como una mezcla de Jazz Fusion y metal para encajar en el Jazz Metal: es posible que por lo general la instrumentación no nos termine de sonar a Metal, a pesar de la elevada distorsión de las guitarras; probablemente el bajo y la batería no terminen de cuajar como metal en la mayoría de las canciones, de todas formas si es Metal en mayor o menor medida no nos concierne, siendo una calificación que oscile demasiado en el umbral del Metal.

Predominan los temas de velocidad moderada pero con esa guitarra heavy que endurece el tema con sus solos, aunque quizás para los más puristas del Jazz sea una distorsión excesiva. Tambien encontraremos temás más rápidos, como G-Spot Blues con una melodia principal muy traviesa y loca.
Para terminar tambien disponemos de un solo de bajo y otro de teclado, aunque forme parte de un tema.

En definitiva, un buen disco instrumental con melodias variadas, jazzeras y metaleras, no tiene desperdicio.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 7
Originalidad: 7
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,3

Nota Media: 7,8

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Crow's Claw: Blacker Than the Blackest Black (2009)

Me estaba reservando este grupo, uno de mis favoritos actualmente. Crow's Claw es un grupo de Metal desde Japón (con lo que esto conlleva). El grupo se constituye por Taka, siendo el guitarrista/bajista y compositor, además de un batería; el "grupo" da conciertos en algunas convenciones niponas con la colaboración de otras "celebridades" metaleras del mundo Doujin para suplir los demás instrumentos.

Crow's claw es principalmente un grupo Doujin, es decir, versiona temas de videojuegos o series y obviamente esto conlleva una carencia de originalidad, sin embargo Crow's claw tambien saca discos de cosecha propia, aquí traigo el último que ha salido y uno de mis favoritos.

Me encontré con serias dificultades para calificar al grupo en un género, teniendo algunos elementos de varios como Power, Trash o Death. Probablemente se deba a otra mentalidad que no tienda a diseccionar el Metal en múltiples subgéneros, y en Japón se suele ver solamente el término "Heavy Metal".

Blacker Than the Blackest Black es el disco más duro junto a Brutal Games For Reminding Of Death (Disco Doujin). BTtBB es un disco totalmente instrumental con unas guitarras ritmicas muy distorsionadas y afinadas en Drop B, además de un bajo muy pronunciado. La bateria no es nada monotona, varia bastante los ritmos y recurre al doble bombo, sin limitarse al típico ritmo power, e intentando ser más versatil acompañando mejor a las melodias. Por sus melodias bastante gloriosas se podria encasillar de power metal pero tanto el sonido general del disco como las guitarras ritmicas es muy grave, ronco y bastante más pesado que el power, por lo que consideraría un conglomerado de subgéneros haciendo este grupo muy dificil de encasillar. 
Encontraremos melodias lentas y armonizadas con varias guitarras, cosa que en algunos temas puede llegar a sobrecargar la canción.

Tanto para los gustosos del Metal que no toleran guturales como para los que no gustan de voces limpias, no habrá problemas, sólo música.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 7,5
Originalidad: 7,5 
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,7

Nota Media: 8,3

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Pass: Gazpacho *¡Atención a la mayúscula!*

Camel: Mirage (1974)

Volvemos al rock progresivo, esta vez con un grupo británico de los 70, aunque apartir del 91 volvieron a la actividad y siguen hasta la actualidad. Además de Rock progresivo, Camel en ocasiones puede implementar elementos de distintos estilos, desde el jazz a la música barroca.

No es precisamente un grupo desconocido como se acostumbra a subir al blog, sin embargo a dia de hoy es muy probable que para la nueva generación pase desapercibido.

Mirage, uno de sus álbumes más antiguos, el segundo de la banda y considerado uno de los mejores por sus fans. Evidentemente tiene un sonido muy de época, dónde el rock progresivo tenia cierta popularidad, solos de guitarra y teclado con toques blouseros aunque jugando también se juega con varios modos (dórico, eolico, mixolidio)

El disco a pesar de disponer solo de 5 temas, ofrece temas instrumentales y vocales. Mi tema favorito Earthrise uno de los temas instrumentales y el más movido del disco, con un comienzo lento iremos notando como el sonido se va caldeando poco a poco hasta llegar a un sonido bastante marchoso (más teniendo en cuenta la época) con acordes a notable velocidad y un trabajo de teclados muy interesante. Para mi gusto el tema mejor ambientado del disco.

Para algunos fans el disco está inspirado en El señor de los anillos, ya que existen algunos guiños a la obra en sus letras. El disco tendría bastante más puntuación si no fuese por la letra, que en la mayoría de ocasiones sobra (obviamente esto es algo totalmente subjetivo).
Para los amantes del rock progresivo y de la música de los 70.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 7,5
Originalidad:  7,5
Lírica: 6,5
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota total: 7,5

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Pegasus: Nuevos encuentros (1982)

Grupo barcelonés (España) de Jazz Fusion en el cual se encuentran dos integrantes (Josep Mas y Max Sunyer) de Iceberg, banda de rock progresivo y Jazz de los 70 con unas caracteristicas bastante similares a Pegasus.

A diferencia del anterior compañero de género que se posteó, Trix, Pegasus no tiene por así  decirlo ese sonido tan "infantíl" siendo algo más serio, aunque a priori aburrido.

Nuevos encuentros, primer álbum de esta banda con un sonido muy nostálgico por el trabajo de los sintetizadores y muy melódico, con un gran dominio de escalas. El bajo con un trabajo pausado quita bastante cuerpo pero hace la música más melódica.

Se pueden encontrar varios ritmos con un toque Latin Jazz bastante bailongos, aún así el disco es bastante relajado y no termina de envolver, probablemente esto se deba a la calidad de grabación.

En definitiba un disco muy aceptable para ser el debut de la banda.Recomendado obviamente para los gustosos del Jazz, ya sea Fusion, Latin o música instrumental y técnica.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 7,5 
Originalidad:  7,5 
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,1

Nota total: 8

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Pass: morcilla

Solitudes Dan Gibson (John Herberman): Piano Forest (1996)

Solitudes es una serie en la que Dan Gibson mezclará sus grabaciones de sonidos naturales con interpretes de diferentes instrumentos, dando un resultado bastante tranquilo, agradable y relajante.

Como se peude deducir por el título del álbum Forest Piano se trata de un disco que mezcla sonidos de la naturaleza con composiciones para piano. En este disco Dan Gibson cuenta con la colaboración de John Herberman quién se encargará de la composición e interpretación de las obras pianisticas.

Las composiciones tienen un caracter lento pero no llevan un tempo estático si no ad líbitum, es decir, Herberman podrá manipular el tempo utilizando pequeñas oscilaciones de velocidad para ofrecer una mayor expresividad y evitar que la obra quede muy plana y robótica.

Las grabaciones de Dan Gibson tienen una vital importancia en este disco, haciendolo muy envolvente gracias tambien al estereo.

Los nombres de los temas procuran ser sugerentes, algo que personalmente no me gusta mucho,  como por ejemplo de Chasing the clouds donde el piano interpretará unos arpegios dando una sensación de "sube-baja" acompañado con sonidos ventosos que nos harán imaginar que volamos entre las nubes, además el tema está acotado entre sonidos del bosque, por lo que podremos entender que iniciamos un viaje por los cielos y finalmente volvemos a tierra.

Puntuación:

Técnica: 7,5
Expresividad: 8
Originalidad:  7
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota total: 7,7

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Ozric tentacles: Erpland (1990)

Continuamos en la linea del rock progresivo: Ozric tentacles, este grupo es una mezcla de rock progresivo, psicodelico y en ocasiones ambient, teniendo un sonido bastante electronico en ocasiones: mucho sintetizador y efectos.

Se trata del disco Erpland, con unos temas bastante ambientales como Toltec Spring, Cracker Blocks o Valley Of A Thousand Though, algunos temas bastante tranquilos pero otros invitan menos a la relajación siendo más estresantes.

Tidal Convergence comienda con una introducción de ambiente psicodelico, se van añadiendo instrumentos progresivamente.

También algunos temas que siguen más la linea del progresivo, como Erpland o Sunscape, siendo este bastante más musical.
Por lo general en este disco se van añadiendo distintos elementos, sonidos sintéticos y filtros  en voces sobre una base instrumental que se repite, haciendolo bastante ambiental puesto que añadimos elementos sobre una base no muy compleja para no sobrecargarnos.

Si bien los sintetizadores tienen un papel principal, el bajo es perfectamente audible en todo momento, quizás sean las guitarras las que suelan estar en un 2º plano, con un papel más rírmico.

En conclusión un disco diferente, de un grupo diferente, recomendado no para sentarse y escuchar atentamente, si no para ambientar o incluso relajarse, a pesar de que podemos encontrar temas más musicales ya mencionados antes.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 7,5
Originalidad:  8
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,1

Nota total: 7,9

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Supay: Confusión (2004)

Volvemos con folk, pero estavez Folk con rock progesivo. Supay, grupo peruano que fusiona el rock progresivo con influencia de la música andina. Supay es el nombre de un ser mitológico de las antiguas civilizaciones Inca y Aymara, una especie de Dios y Demonio.

El viento tiene un papel primordial en este disco, llevado a cabo por la flauta de pan o Zampoña (no confundir con Zanfoña) la quena y la tarka  para darle ese toque folk a la mezcla.

El disco es totalmente instrumental tanto con pasajes bastante tranquilos en los que los distintos instrumentos andinos tocarán armoniosamente melodias bastante alegres a pasajes más movidos con solos de guitarra y teclado.

Este disco merece que le otorguemos más de una escucha, ya que a la primera vez puede resultarnos algo repetitivo, pero realmente es muy heterogeneo en cuanto a ritmos y melodias.

Mencionar algunos temas como Avanzando, uno de mis favoritos con 8 minutos de duración, bastante contundente o Impario con unas melodias algo más exóticas llevadas a las flautas. Pero en general todos tienen un gran atractivo.

Una mezcla original muy melódica y variada, merece la pena ser escuchado, no sólo para los amantes de rock progresivo olos de las flautas.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 8
Originalidad:  8
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,4

Nota total: 8,4

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Ulytau: Jumyr Kylysh (2006)

Ulytau o en kazajo (idioma oficial en Kazajistán junto al ruso) Ұлытау es un grupo bastante original a pesar de que la mezcla de metal con folk ya no se pueda considerar innovadora, pero sigue teniendo su atractivo y cuanto menos será una curiosidad. 

Hasta la fecha sólo dispone de un único disco, disfrutaremos de algunas versiones de obras clasicas muy famosas como Invierno de Las Cuatro estaciones de Vivaldi, la Marcha turca de Mozart y Tocata y Fuga de Bach. todo esto revestido con su estilo folk metal.

La insteumentación no se sale mucho fuera de lo normal en el género, la batería y el bajo no son interpretados por ningún miembro del grupo, si no por músicos contratados, los instrumentos protagonistas serán la guitarra electrica por supuesto, el violín y el dombra (laúd de dos cuerdas, muy similar a otros laudes asiaticos como el Sanxian de china).

Dudé de si el grupo podria entrar en la etiqueta de metal, pero decidí ceder a favor debido al uso de armónicos de pua con un buen vibrato en varias ocasiones, algo muy metalero, además del tipo de distorsión y solos con arpegios y tapping, no obstante el grupo no cuenta con una dureza muy elevada.
A favor también he de decir que en general los arreglos me han parecido bastante elaborados, con un bajo bastante cuidado, superando en complejidad a muchas bandas donde el bajista forma parte del grupo.

En definitiva, bastante original y lo suficiente curioso como para otorgarle una escucha.

Puntuación:

Técnica: 7,5 
Expresividad: 7
Originalidad:  7,5
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,2

Nota total: 7,5

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The samuel Jackson Five: Easily Misunderstood (2005)

Le toca el turno al grupo noruego de Post Rock, un rock experimental e instrumental The Samuel Jackson five.

Lo primero de todo, no esperes encontrar melodias pegadizas e intuitivas pero si atmosferas tranquilas por lo general y algo innovadoras.

Para los amantes de la música instrumental, este disco con una atmosfera bastante experimental.
Disfeutaremos de unas guitarras limpias con un sonido muy seco y frio en muchas ocasiones, como en Unimog, tambien de un contrabajo que aporta un potente sonido acustico y unos graves muy potentes, tanto pellizcado (pizzicato) con un riff algo movido en if you show off the milk, who's gonna buy the cows como frotado. Tambien el teclado está presente y como no, percursión.

A parte de los temas ya citados, también mencionar a Song for Sarah, bastante hermosa aunque con un toque bastante melancólico o person most likely to enjoy the taste of human flesh que se vuelve bastante paranoica y el contrabajo acaba pareciendo un serrucho.

Posiblemente sea un disco algo dificil de escuchar debido a su sonido tan abstracto, en definitiva, si buscas alejarte de lo cotidiano y te apetece algo instrumental y experimental, no dudes en darle una oportunidad a este disco.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 7,5
Originalidad:  8,5
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,3

Nota total: 8,3

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Trix: MODE (2005)

Trix, grupo japonés de Jazz Fusion cuyo sonido es bastante  agradable y muy melódico. Todos sus discos son bastante similares entre sí, abundante slap de bajo, mucho teclado y guitarra solista aunque en ocasiones acompaña con unos acordes a ritmo de funky.

Hablaremos de su disco Mode. Los temas de este grupo y por supuesto también de este disco pueden parecernos en ocasiones que tienen un estilo funky y tambien unas melodias simpáticas, alegres o incluso videojueguiles en múltiples ocasiones (probablemente esto se deba a los sonidos utilizados en el teclado). Mode es casi instrumental en su totalidad, si no tenemos en cuenta unas voces pasadas por filtros en u n par de temas, siendo estas practicamente incomprensibles.

Como ya se dijo antes, Mode al igual que el resto de discos tiene un sonido muy colorido y limpio con abundantes solos de guitarra y teclado o melodias conjuntas, además de un bajo con cierto protagonismo y una bateria variada que no tiende a repetir el mismo compás para rellenar. Cada instrumento sigue una pista bastante elaborada pero es fácil de percibir cada instrumento gracias a su sonido tan limpio. Esta es una de las ventajas, a pesar de su complejidad no nos resultará cargante haciendose muy fácil de escuchar.

Mode cuenta con algunos temas bastante animados como Fire (uno de mis temas favoritos) y Road Star y quizás se deban destacar los temas rosso liquido y sobre todo Malaga por alejarse del estilo típico de este grupo y demostrar un manejo de distintos modos y escalas.

En definitiva, si te gusta el Smooth Jazz, Funky y Fusion, no dudes en escuchar Trix, o simplemente si quieres escuchar cosas nuevas, Trix será una buena opcion gracias a lo amena que resultará su escucha.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 8
Originalidad:  8
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,6

Nota total: 8,6

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Técnica: 8
Expresividad: 7,5
Originalidad: 8
Lírica:-
Plus. Opinión personal: +0,3

Puntuación total de Asir: 8,1

Freedom Call: Eternity (2002)

Le toca el turno a este no tan desconocido grupo alemán de Power Metal: Freedom call.

Eternity es sin duda uno de sus mejores discos con sus dos temas más conocidos, Metal invasion y Warriors. Hay que reconocer por un lado el sonido bastante característico de esta banda que probablemente se deba en gran parte a la peculiar voz de su vocalista (Christian Bay, uno de los dos únicos integrantes estáticos en el grupo junto al batería Dan Zimmermann) a pesar de que se filtra con varios efectos y en muchas ocasiones la doblen (armonizadores),  pero por otro lado tenemos que tambien mencionar la constante tendencia al autoplagio.

Freedom call también debe su caracteristico sonido a las melodias con un toque alegre o "feliz" y su telcado con sus sonidos sintetizados de "trompetas", a pesar de su poca complejidad en cuanto a composición y arreglos, lamentablemente Eternity no es una excepción.

Otro apartado en el cual el disco pierde fuerza es en las líricas, siendo estas bastante repetitivas y a menudo recurren a convencionalismos del género.

El disco que se compone de 11 temas, cuenta con un par de canciones con caracter "baladesco" como Bleeding Heart o Turn back Time, pero también temas más energicos como por supuesto los ya mencionados Metal Invasion y Warriors entre otros como Flying High con unos coros bastante felices y The eyes of the world con una intro similar a la de Land of Light (inspirada en el exitoso The final countdown de Europe).

Metal Invasion probablemente sea el tema más destacable de este disco y el más elaborado, con una duración de casi 7 minutos sin ser excesivamente lineal, pero tampoco con contrastes destacables.

En definitiva, a pesar de sus sus pros y contras, en lo personal este grupo ha sido uno de los eslabones más importantes en mi evolución musical animandome a introducirme en el mundo del metal y a dia de hoy me transmite un fuerte sentimiento de nostalgia.

Por lo tanto, Eternity no es un disco con el cual vayas a quedar boquiabierto, simplemente te entetendrá o no.

Puntuación:

Técnica: 6,5
Expresividad: 6,5
Originalidad:  6
Lírica: 5
Plus. Opinión personal: +0,6

Nota total: 6,6

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Técnica: 6,5
Expresividad: 6,5
Originalidad: 5,5
Lírica: 6
Plus.Opinión personal: +0,7

Puntuación total de Asir: 6,8

Angels of venice: Angels of Venice (1999)

Angels of venice es un grupo de New Age que a diferencia de otros del género, usa únicamente instrumentos acústicos dandole así un toque muy natural a su música.

Disfrutaremos de un amplio elenco de instrumentos, desde la flauta (Susan Winsberg), chelo (Cathy Biagini), hasta otros menos comunes como el arpa, dulcémele, buzuki, mandolina (interpretados por Carol Tatum, fundadora del grupo), además por supuesto de una compleja y envolvente percursión que se adaptará al tema convirtiendose en uno de los pilares fundamentales de la ambientación (Christopher Pellani).

Este disco nos ofrece varios temas con atmosferas muy diversas desde Queen of the sun que puede transmitirnos un sonido con toques árabes, apoyado por la flauta en una introducción reverberada que da una sensación de soledad y un toque místico. Uno de mis temas favoritos, China moon, el nombre habla por sí solo, sí, es uno de los temas más ambientales del disco con una atmosfera muy realista. Entre otros temas muy épicos como Lionhearth siendo un tema bastante vivo.
A parte de esto cuenta con alguans versiones de temas conocidos (o eso se supone, en mi caso la realidad es otra) como de Sad Lisa (Cat Stevens) con el arpa y la flauta sobre el piano (haciendo el papel de la obra original) sin desmeritar el trabajo del chelo; o también de As the tears go by delos rolling stones.

Como conclusión, un disco bastante elaborado, con unos arreglos trabajados y una dinámica bastante cuidada, algo que no se vea muy a menudo. También destacar que si buscas contrastes, este no es tu disco, siendo más recomendado para momentos de relajación, tranquilidad o incluso para acompañarte en un paseo por la naturaleza.

Puntuación:

Técnica: 8
Expresividad: 8
Originalidad: 6,5
Lírica: *Instrumental*
Plus. Opinión personal: +0,7

Nota total: 8,2

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Pass: newage89