domingo, 14 de noviembre de 2010

Cis~Trance: Odoru Touhou Drift -'turbo- (2008)

Y volvemos a Asia otra vez, sólo que con un cambio radical en cuanto a estilo. Puede parecer que he estado evitandolo, pero he aquí mi primer aporte de música electrónica.

A pesar de que en el disco colaboran otros artistas, está a nombre del círculo Cis~Trance, de Dj-Technetium que elaboró la mayoría de temas a excepción del 4 y 6 (REDALiCE); 9 (Betwixt & Between).

El género del disco está considerado J-Core, género que no puede ser considerado como tal al igual que ocurre ocn otros géneros caracterizados por su pais de origen, como el J-pop o J-Jazz, ya que no se identifican por caracteristicas musicales.
J-Core de forma general podria referirsea a música electrónica procedente de Japón y con características Doujin, suele constituirse por varios géneros de música electrónicos, abundando el Speed Hardcore, Happy Hardcore y Makina, entre otros estilos discotequeros, por tanto el término J-Core no hace referencia a ningún estilo concreto.
No obstante, la caracteristica principal no se trata de su procedencia nipona, si no que se apoya en el material Otaku, es decir, las obras de este género se caracterizan por versionar la música procedente de videojuegos, series y peliculas a un estilo electronico. Puede que esto haga menguar notablemente la originalidad, sin embargo hay grupos que a pesar de estar versionando, añaden trabajo de cosecha propia dandole un toque personal y un sonido bastante diferente al del tema original al cual se versiona, recuperando así esta originalidad perdida, sin embargo otros se limitan a transportar la canción tal cual a un estilo distinto sin aportar novedades.

Este disco podemos considerarlo algo Underground debido únicamente a que no vivimos en japón, pues tanto el género como el material al cual se versiona son altamente populares en tierras niponas.

Cis~Trance y los colaboradodes también mencionados como REDALiCE, que de hecho ambos circulos suelen sacar discos conjuntamente, hacen por lo general conversiones de Touhou Project, saga de videojuegos que ha significado un gran movimiento Doujin gracias a que su autor al considerar su trabajo como Fanart no encuentra inconveniente en que se utilicen sus trabajos, tanto visuales como musicales, para que los fans hagan su propio material e incluso lo comercialicen en exposiciones diseñadas especificamente para esto.
Touhou Project es un videojuego denominado danmaku (cortina de fuego/balas), que muchos identificaremos como el clásico "mata-marcianitos" galaxian, pero en un plan bastante extremo enfocado más a esquivar. Su música es muy melódica y pegadiza, lo que provoca que existan centenares de grupos que la versionan, no solo en J-core, si no en cualquier estilo, aun así, hablar de touhou project no le compete a este blog, siempre podreis buscar información si quereis profundizar en el tema: articulo wikipedia sobre touhou.

En Odoru Touhou Drift -'turbo- como ya se ha dicho anteriormente, encontraremos diversos estilos electrónicos, predominando el Makina. Todos los temas son melódicos, rápidos y con bombos pesados, las melodias llevadas por un típico sintetizador repleto de filtros sobre formas de onda básicas. A su favor decir que para el transporte de estilo, las melodias y bases armónicas que constituyen las canciones originales han variado en algunos temas más significativamente que en otros, pero también mencionar que por lo general la armonía ha sido eliminada limitandola a un bajo que marca la tónica sin disponer de terceras para determinar la armonía con más precisión, aunque en algunos temas encontraremos efectos más envolventes construidos con acordes. También mencionar que no se aporta gran novedad al estilo electrónico asique la originalidad por lo general no se verá muy equilibrada.

Notaremos que en muchos temas aparecen voces procesadas con el tono aumentado y loopeadas, es decir, repitiendose en bucle cortandose abruptamente haciendolas carentes de sentido, esto es algo típico en estos estilos de música electrónica, donde estas voces tienen una utilidad rítmica, no lírica.

Negativamente decir que por lo general los temas son muy repetitivos, aunque a mi parecer esto es algo que en la mayoria de las veces es propio en la música electrónica, por lo que en ocasiones puede tener una utilidad de ambient a pesar de no pertenecer a dicho género oficialmente, simplemente por su minimalismo y repetitivdad. Bien decir que esta música no está hecha precisamente para la escucha analítica, no goza de gran complejidad, siendo los ritmos abrumadoramente simples la mayoría de las veces, quizás encontremos el mayor trabajo en la calidad del sonido, lo cual hoy dia con tanto sintetizador virtual y samples ya preparados hace que pierda gran parte de su mérito.

Kyoto City Street Course (東京市街地コース) se trata de dos temas con un mismo nombre, posiblemente porque los temas originales a los cuales se versiona pertenecen al mismo personaje en el juego. Puedo hablar de ellos por igual porque son muy similares, con esos sintes que recurren a slides o pitch bending de una forma bastante exagerada y cómica, aunque personalmente es de lo que más me mola del disco.
Aquí de muestra uno de los temas que comparten nombre:

Chireiden - Blood Lake Stage (地霊殿 血の池ステージ) es uno de los temas que más me agradan del disco, se debe a la melodia, tanto del tema original que tambien me agrada, pues dista bastante de la esencia musical de touhou, lo cual tambien se debe a que el tema original se basó en parte de la OST de evangelion.



Touhou Rainbow Road
(東方レインボーロード) cuyo tema, también a simil del original, es de mis favoritos de la saga Touhou. Este tiene un estilo algo distinto de lo expuesto hasta ahora, con un bombo mucho más extremo y distorsionado.

En definitiva, musicalmente no es destacable, pero cuanto menos curioso y novedoso en el blog.
Reocmendado para los amantes de la música electronica y por supuesto para los touhou-fans.

Puntuación:

Técnica: 6,75
Expresividad: 7
Originalidad: 6,5
Lírica: *la "voz" no tiene función lírica*
Plus. Opinión personal: +0,3

Nota Media: 7

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martes, 9 de noviembre de 2010

Crystal Castles {2008}

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No puedo parar con la electrónica.
He aquí un grupo canadiense que descubrí gracias a nuestro fiel seguidor y amigo Ark que no puedo parar de escuchar: Crystal Castles. CC, como los llamaré a partir de ahora, hacen fusión musical... ¿o debería decir fisión?. Lo parten. Música electrónica experimental con sonidos "8-bit" que recuerdan a la Game Boy y la versátil voz de Alice, quien antes de formar parte de este dúo estaba en un grupo punk. Este debut esta lleno de originalidad y variedad de estilos, de cada uno de los cuales intentaré poner una muestra.

Por una parte tenemos unos cuantos temas con un sonido electro-punk, que nos recuerdan un poco a Atari Teenage Riot, pero mucho más sofisticado y melódico. Un buen ejemplo es "Alice Practice", uno de sus temas mas conocidos. Dicen por ahi que las voces de este tema fueron grabadas mientras Alice ensayaba, sin que ésta lo supiera, de ahí el título. Luego simplemente hubo que mezclar con la base. Por lo general las letras son difíciles de descifrar, debido en parte a la peculiar forma de cantar de Alice, y en otra parte a la cantidad de distorsiones y efectos que se añaden a sus versos. La temática suele ser bastante introspectiva y abstracta, desgarradora, depresiva, y/o relativa a narcóticos de toda índole (Ver los breves lyrics de "Untrust Us"): lo típico. En fin, sin más dilación, Alicia practica:


Por otra parte, CC tiene temas mas "moderados", sin tanta distorsión en los sonidos, más cercanos a la música electrónica bailable convencional. Un buen ejemplo es el pegadizo "Courtship Dating" (También recomiendo la versión alternativa de "Crimewave", donde los efectos vocales son exagerados pero, a mi gusto, agradables):



Alice no participa en todos los temas, hay un puñado de ellos instrumentales, donde Ethan el programador y segundo miembro del grupo, tiene todo el mérito. Este video que encontré de "1991" no es oficial ni nada parecido, simplemente es un talentoso youtuber que baila, de manera curvilínea, dicho tema . Me pareció tan bueno que he decidido ponerlo en lugar del solo-auditivo goear.



Un aplauso. Temas como este, gracias a sus sonidos de consola antigua, me evocan con cierta nostalgia las bandas sonoras de los videojuegos de mi infancia, como "Golden Axe" o "Pokemon Gold", algo que agradezco muchísimo.

Cuando parece que CC se ha quedado sin ideas, llegas a la última pista y te sorprende. "Tell me what to Swallow", una canción "acústica", íntima y muy suave, que esconde una letra enigmática y perturbadora, posiblemente relacionada con la pedofilia y el incesto, es de mis preferidas.


Through the wall he threw me,
I knew he'd never hurt me,
Daddy watched me sleeping
Praying for you silently

Daddy's love makes me whole,

without it I am so secure,
The only girl he'd ever hurt
The one who smells so pure.

¿No os recuerda un poco a la música New Age que hace Enya?

Me despido hasta la próxima, un saludo y un agradecimiento a Ark por su colaboración más que indirecta con el blog, y a todos los que os habéis interesado por este grupo que intenta dar una bocanada de aire fresco a la música de hoy, usando sonidos de ayer.

- Descargar Crystal Castles (2008) -

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Tecnica: 7
Expresividad: 8
Originalidad: 9
Lirica: 7
+0,7

8,5

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Continuará...

lunes, 1 de noviembre de 2010

Kiuas: The spirit of ukko (2005)

Bueno, me alejaré de Asia por un instante para presentar un grupo de Metal que en los tiempos cuando lo escuchaba, era algo Underground.
Se trata de Kiuas, grupo finés conocido por la mayoría de miembros actuales del blog, por lo que underground quizás deba ir algo entrecomillado, sobre todo a estas alturas cuado el grupo ya goza de 4 discos en su discografía, además teniendo en cuenta que su guitarrista Mikko Salovaara participó en el disco Guitar Heroes, sin embargo hay que decir que su popularidad no es comparable a la de otros grupos de calidad similar, o incluso peor.

Aunque muchas veces es etiquetado como Power Metal la verdad es que su estilo es algo más agresivo y complejo en cuanto a guitarra rítmica y batería que el Power común, teniendo tintes folk, trash, o incluso progressive. La lírica puede encajar en el power relativamente, pues a pesar de tener un corte épico en la mayoria de ocasiones, trata sobre paganismo y mitología, además el estilo vocal es bastante agresivo.

The Spirit of Ukko, su disco debut (ignorando la demo que contiene dos temas que no se encuentran en ningún otro disco), a mi parecer es uno de los mejores del grupo, pues creo que desgraciadamente el nivel ha ido disminuyendo en sus dos últimos, siendo fieles a su estilo pero recurriendo quizás al autoplagio, cayendo en la repetición y aburriendo al oyente, aunque esto es relativo a la crítica de cada uno, por lo que el declive es sólo en mi opinión, aún así los últimos discos me siguen agradando.

También desde la opinión personal, lo que más me agrada del grupo, independientemente del disco que se trate, es el trabajo de Mikko Salovaara en la guitarra y el de Ilja Jalkanen como vocalsita, a mi parecer muy caracteristico contundente y bastante versátil, manteniendo un tono bastante agresivo oscila entre un timbre rasgado a uno más limpio.

El trabajo de la guitarra como ya he dicho me parece uno de sus puntos más destacables, las ritmicas son bastante técnicas en comparación con otros grupos en los cuales se convierte en una mera base con abuso de quintas, se juega con las guitarras dobles muchas veces recurriendo a terceras y también un buen uso de armónicos, empleando la mayoría del tiempo un ritmico a la vez que protagoniza con la voz.

Y ahora, mencionar brevemente algunos temas del disco:

The spirit of Ukko es el tema homónimo del disco, desde el principio ya comprobamos lo dicho anteriormente. Una guitarra rítmica-solista doblada con cierta complejidad técnica y unas frases variadas sin tender a la constante repetición, aunque sí a la similitud. Una batería bastante pesada y variada que no se encasilla en el doble bombo continuo y repetitivo típico del power genérico. También apreciaremos el uso del teclado que o bien puede estar imitando a la guitarra en algunas ruputas de frase, lo cual es algo también característico del sonido de Kiuas, o ir más por su c uenta con cierto protagonismo del que no gozaría en otros grupos, sin embargo sigue siendo bastante eclipsado por el resto de la instrumentación.



Warrior Soul quizás sea uno de los temas que más definen a Kiuas, también siendo uno de sus temas más conocidos. Respecto a la instrumentación, lo dicho anteriormente.

Across The Snows es el tema al que hacia alusión antes, el que muestra cierto toque folk gracias a la guitarra limpia y la flauta, aunque seguidamente volvemos al sonido Kiuaseño.
También parte de la lírica se encuentra en finés.

Thorns of black rose tenía que ser nombrada, con una temática más romántica y sonido más baladesco, sin embargo, también nos encontraremos con unos riffs bastante pesados y un, a mi parecer, excelente trabajo del vocalista, donde podemos comprobar su versatilidad.

And the north star cried junto al anterior mencionado, otro de los temas que se pueden distanciar del estilo principal del grupo, este con un caracter más sinfónico.
Puede ser curioso pero en practicamente todos los duscos (por no decir todos) nos encontraremos con un tema de esta índole.

Y que decir que Kiuas formo parte de mis grupos favoritos hace un par de años.
Altamente recomendado.

Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 7,25
Originalidad: 7,75
Lírica: 7
Plus. Opinión personal: +0,6


Nota Media: 8,2

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sábado, 16 de octubre de 2010

With Blood Comes Cleansing - Horror


Vuelvo a la carga con un muy buen disco de Christian Deathcore. Sí, son cristianos... o al menos lo son sus letras sobre el apocalipsis y las plagas.
Este grupo de Albany, Georgia, Estados Unidos, lleva en escena desde 2005. Desde entonces ha editado 3 discos: su primer EP, The Dern (2005), el primer LP, Golgotha (2006) y del que vamos a hablar hoy, Horror (2008).
Líneas generales que comentar de este grupo... no es tan rápido ni tan técnico como TAIM (de los que hablé en una entrada anterior), son canciones con estructuras más clasicas, con estrofa y estribillo. También podemos decir que la voz, Michael Sasser, es bastante aguda, lo que se traduce en unos guturales agudos con poco cuerpo y unos graves muy similares a, por poneros un ejemplo, el antiguo cantante de Equilibrium. Voy a empezar poniendo un enlace de su myspace con las letras, creo que merece la pena. También pondré al lado de cada título el libro bíblico del que viene la letra.
Empezamos con una Intro sacada del libro de Romanos y del libro de Revelaciones, corta, básicamente una locución en una ambientación inquietante.
El primer tema del disco, Hemaditrosis (Marcos, Lucas), tiene la brutalidad que tiene por las líneas vocales tan bien construidas, mezclando agudos y graves de forma majestuosa, y apoyándola también en los graves. Apunte - la hemaditrosis es un trastorno provocado por alto estrés por el cual se suda sangre... algunos historiadores sugieren que Jesús sudaba sangre en el lago de Getsemaní, porque sabía de su próxima muerte.
Una caña de batería introduce la siguiente canción, Lash Upon Lash (Mateo), un tema de apenas dos minutos y medio, cuya primera estrofa es muy típica del deathcore. Tras una reintro con voz, esa estrofa se repite con una batería mas doom. A continuación un riff más tipo post-hardcore/metalcore. Opinión personal, el breakdown de 1:30 es brutal.
Sigue avanzando el álbum con un tema que empieza muy doom, sólo ver la entrada de la voz. No por eso deja de ser el tema más rápido del disco. Forsaken (Mateo, Marcos, Lucas, Juan).
Filthy Stains (Mateo, Marcos, Lucas, Juan, Colosianos, Éfesos, Revelaciones) arranca, si lo podemos decir así, muy dejado, cansado de vivir. 2:28 me parece brillante.
Una intro muy a lo metal alternativo nos introduce The Suffering (Actos, Revelaciones, Mateo), y así sigue el tema hasta que llega a la primera estrofa pesada, con unos armónicos muy bien encajados y una línea vocal llamativa. Realmente, para lo que dice la letra, el tema avanza melancólico. Aunque sean riffs rápidos están en escalas tristes, no burras. La letra dice ''todo está escrito/escrito en su palabra/profecías que se cumplen'' y en el breakdown ''Terremotos/ y pestes, un mundo sumido en dolor./ Odio/ y guerra, el sufrimiento comienza. Terremotos/ y pestes, un mundo sumido en dolor./Venganza/ y asesinato, el mundo está en el fin.''
Una canción más, Blood and Fire (Revelaciones). Para mí, lo único reseñable es el primer breakdown.
Grande contraste entre las dos primeras estrofas. 'Death shall flee', 'Pero la muerte huirá'. habla de plagas y esas cosas nazis, el tema llamado Abbadon's Horde.
Llega el tema homólogo del disco, por si no te habías enterado, te lo grita antes de empezar con una estrofa asesinamente pesada, y éso es lo mejor de la canción xD. HORROR
Carnivorous Consumption, qué nombre tan típico de goregrind, no? xD. 'Los cadáveres estarán por todas partes,/ abandonados a su corrupción'. Pero lo mejor de la canción es el breakdown, y la voz del breakdown 'con la espada/ de Su boca/ Él masacrará/a los malvados''. Esto último me ha sonado un poco a 'pues llamaré a mi primo para que te pegue porquer eres malo y malo' xDDD malditos cristianos que chanantes son. (Ezequiel, Revelaciones)
'Gozaremos mientras tú sufres en las llamas', tú condenado. Damnation (Revelations). Me estoy dando cuenta de que llevamos una racha de cancione de relleno que pa qué...
El doceavo y último tema del disco, 'Eternal Reign' (Revelaciones) tiene unas partes bastante tipo posthardcore, aunque no sé como tomarme la intro, os la dejo a vosotros xD.El tema acaba muy inesperadamente, es curioso, es como si se rieran de nosotros en esta canción, como dejándonos claro a los ateos/agnósticos/paganos que por mucho que nosotros no nos lo creamos, ellos reirán los últimos.
Podría resumir el disco en música deathcore de calidad media/alta en la que la letra es muy importante y está muy currada. Respecto a la temática, todos moriremos. Sin más.

Técnica: 7
Originalidad: 6
Expresividad: 8
Lírica: 8.5
Plus: Opinión personal: +0.6

Nota Media: 7,6

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martes, 12 de octubre de 2010

Thy Art Is Murder - Infinite Death


Por fin me pongo con mi género, el DeathCore. Para que os hagáis una idea, es lo más brutal que ha salido de las entrañas de la Tierra. De hecho, el objetivo a la hora de componer más claro es conseguir la máxima brutalidad posible, ya sea empleando rapidez, pesadez, guitarras en sol, todos los gritos del mundo, etcétera.
¿De dónde sale el DeathCore?
Los recursos usados en este subgénero del Hardcore (breakdowns, blastbeat, disonancias, etc) los podemos encontrar, casi todos, en grupos de Death Metal como Cannibal Corpse. De hecho, cuando me puse con este grupo, cuando ya estaba muy metido en el DeathCore, empecé a encontrarlo todo. Muchos grupos de Deathcore son básicamente Brutal Death Metal.
Otra buena fuente de inspiración del Deathcore fue el Metalcore, su hermano sentimentalista, que también tiene breakdowns y screams, pero que no deben de ser confundidos. Aunque a pesar de todo, en España sólo hay grupos de Deathcore/ Metalcore, no de lo primero puro...

El Deathcore es un género realmente joven, no contará con 10 años siquiera y en el panorama estadounidense y europeo ya ha hecho mucha mella. Y cuando digo mella, es que por un lado surgen bandas nuevas cada día, al igual que los festivales, cultura propia y fans, y por otro lado hay muchos de los llamados 'haters' en internet, sobre todo en youtube, que lo consideran un género fácil y absurdo. Respecto a eso...long live br00tal deathcore ^^.
Vamos a lo que vamos, Thy Art Is Murder. Empiezo con este grupo que es uno de los más puros que conozco, aun siendo de la ramante Brutal Deathcore. Vayamos a las características generales de la instrumentación comparadas con el género:
  • En la voz, encontramos una intercalación de guturales agudos y graves, nunca una voz en limpio. Y cuando digo graves, no es growl, es grunt, que es el grave del grave, inhalado o exhalado, y cuando digo agudos, no es scream ni shred, es un high que es una pasada y que no sé describir. En este grupo, de hecho, son dos voces tan diferenciadas tímbricamente que parecen dos cantantes distintos, aunque sólo es el bueno de Brendan Van Ryn, cantante de esta banda hasta que fue sustituido en 2009 por Chris McMahon.
  • Respecto a las guitarras, son Gary Markowski y Sean Delander los encargados de esos riffs asesinos, rápidos, carniceros, pesadísimos e inentonables, Sweep-picking por todas partes, disonancias de quintas, disonancias de segunda menor....
  • El bajo.... Mick Low (le pega el nombre, la verdad xD). Pues sigue a la guitarra, no tengo más que añadir xD.
  • Batería: Lee Stanton es una de las peores perras que he visto en este género. Los que dicen de Derek Roddy, que es rápido y tal, es porque no han visto a este hombre. Blast beat, dobles en el doble bombo (dar dos notas con cada pie en vez de intercalar uno y otro), gravity blast (redobles con una mano)... Increíble, señores. Increíble.
Pasemos al disco en sí. Infinite Death es un EP de 5 temas que empieza con I'll Show You God, muy buen tema pero nada que reseñar, salvo el breakdown en el 1:43.
Continúa con Whore To A Chainsaw, mi canción favorita del disco. Tras una intro bruta de pelotas viene una estrofa muy mathcore que es una pasada. Después tres o cuatro partes rápidas, y sigue con una parte muy cantable luego acompañada de un breakdown. Nada resaltable hasta que repite la intro con Lee volviéndose loquísimo y haciendo gravity blast.


Parasitic Autopsy es un tema que ya figuraba en su demo anterior, This Hole Is Not Deep Enough For you Twelve. Me gusta especialmente el riff de 0:27 y el que le sigue. Se repite después de la frase de 1:51, bastante contundente. Un solo de guitarra, y en el minuto 3 tenemos una bastada de cuerdas al aire seguida coherentemente de una parte pesada.
Cambiamos a compases ternarios cuando empieza la intro de Breeding Bacteria. Es el tema más 'experimental' del disco, se sueltan de las formas establecidas y buscan brutalidad desde cosas más simples y 'tontas'. Me llama la atención el encajonado breakdown de 2:40, que luego pasa a semicorcheas.
Último tema del disco, Lee estaba reservando fuerzas para este, sólo hay que ver la intro, en la que hace blast beat de, calculo, aproximadamente 290 o 300 bpm, unos 600 golpes por minuto. La letra de este tema es realmente buena, realmente es una cebada pero está curiosa. De hecho, incrusto un vídeo de la canción con la letra en vez de tirar de goear. No sé, todo el tema es brutalísimo, si tengo que resaltar algo no sé por donde empezar.Hasta el último breakdown, me encanta el fraseo de doble bombo.Infinite Death.

Recomiendo el disco a todos aquellos que al principio no podían con el metal y ahora no pueden sin él, y que les pasó lo mismo con el Death y con el Black, creo que en la primera escuchada no sacaréis mucho en claro pero a la segunda solo podréis decir 'cielos, es un buen disco!' xD.
Técnica: 8,5
Expresividad: 8
Originalidad: 8
Plus. Opinión personal: +0.8

Nota final: 8,9

sábado, 9 de octubre de 2010

Korenos: Asian Street Style

Bueno, aquí estoy de nuevo tras un veranito de bastante inactividad por mi parte en el blog. Continuando en mi linea de Jazz Fusion nipón topamos con Korenos, bastante similar a Jimsaku en cuanto a su relación con los grandes del Jazz Fusion nipón (que no precisamente Jimsaku y korenos son pequeños).

En este caso dos de sus musicos formaron parte del popular T-square, Hiroyuki Noritake en la batería y Mitsuru Sutoh en el bajo, que sigue participando en T-square además es también ser el bajista de TRIX. Por el momento parece que korenos sigue la linea de Jimsaku, pero en korenos contamos también con Hirokuni Korekata en la guitarra, quién curiosamente participa en Ottottrio trio guitarristico, junto a los guitarristas de Casiopea y T-square.

Como observamos, existe una clara relación entre los músicos de estos 5 grupos, habiendo tocado conjuntamente en numerosos conciertos.

Puesto que no he escuchado por el momento ningún otro disco de este grupo, exactamente igual que pasa con Jimsaku, la valoración será ajena al resto de su discografía, evitando comparaciones con otros trabajos.

El disco nos ofrece como es de esperar de estos músicos un jazz con mucha influencia del funk, un bajo y una batería muy elaborados coprotagonizando con una guitarra que lleva la melodia (aunque encontraremos algún solo de bajo) jugando con los modos, algo común en el Jazz.

Puede que no resulte especialmente original, pero en el ámbito técnico cumplirá con nuestras espectativas, siendo este notable. Por lo general un disco muy melódico aunque tambien algo rítmico, dejando la armonía un poco de lado.

El disco es bastante variado, con un buen equilibrio entre canciones movidas como el tema homónimo del disco del que hablaré más adelante, Azteca quizás el tema más duro del disco  o tambinén Fu-Ri-Ni-Ge que nos ofrece un solo de bajo bastante potente; y las más tranquilas como Color of your Mind en la que encontraremos un breve coro por boca de estos tres músicos, o uno de mis temas favoritos: 

Jewel Of Tha Snake
cuya atmósfera generada por la batería y el bajo en un tempo andante da las bases para una guitarra  semi-distorsionada que interpreta unas melodias algo melancólicas otorgando a este tema un sonido místico y solitario, además a medida que avanza el tema la melodia se va fusionando con unos arpegios que pueden sugerirnos imaginar el reptar de la serpiente.

Otro de mis temas famoritos del disco es de nombre homónimo al título Asian Street Style, a pesar de que echo algo en falta el slap sustituido por una especie de walking bass.

También nos encontramos una pequeña "rareza", se trata de Acustic Medley y como su nombre indica se trata de un conglomerado de versiones acusticas de temas más populares, personalmente es la canción del disco que menos me gusta.

En definitivamente, si eres amante del Jazz, especialmente del J-Jazz, o si bien te han gustado otros discos de mismo género ya posteados en el blog como Trix o Jimsaku, Korenos será de tu agrado.

Puntuación:

Técnica:  8,5 
Expresividad: 7,75
Originalidad: 7 ,5 
Lírica: *Instrumental*  (prácticamente) 
Plus. Opinión personal: +0,4


Nota Media: 8,3

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lunes, 4 de octubre de 2010

American Folk Metal pt. I - Songs of the Fallen Kingdoms




Vuelvo a traeros Folk, pero no os acostumbréis demasiado que las próximas ya serán de mis específicas :D. Este disco es un recopilatorio de grupos de Folk Metal Nativo Americano, sobre todo de la parte centro-sur. Es decir, aquí no hay violines y gaitas, hay quenas y flautas de pan. Cantan en español en inglés, y los temas son de la mitología azteca, maya, etc. Ya que son bandas aún muy poco (re)conocidas, la mayoría de las canciones tienen una calidad de audio de maqueta o algo superior, pero lejos de una grabación profesional. Tienen un estilo entre feliz y reivindicativo, sobre todo teniendo en cuenta lo mal que lo ha pasado esa civilización, una de las más brillantes que han existido nunca, caída por las manos del cristianismo, explotados hasta la muerte y así siguen. Feliz porque al fin y al cabo es música latina xD. Vamos con el análisis de una por una:
Marcha Inca, del grupo Peru Salvaje, es una canción instrumental muy dinámica, las frases se repiten muy poco y del primer estado enseguida pasamos a dos solos de guitarra y una melodía de flauta de pan entrelazada. Un interludio de batería atresillada nos lleva a una melodía a dos flautas y un tercer solo de guitarra, que dura hasta que llega el solo de teclado. Después de eso una larga outro de muchas partes. Es una buena canción empañada por la mala calidad de estudio, una de las peores del disco.
Revelations es mi canción favorita del disco. Trueno! y blast beat a saco con una quena haciendo la melodía. Voz rasgada, mas growl que shred. Otra peculiaridad de este grupo que le hace original es que no tira sólo de quintas en los acordes de guitarra, usa terceras, powerchords, etc. En el 1:45 cambia la canción a una parte más 'aguda' y rápida, bastante pogo, la verdad xD. Éste es un grupo que para mí merece la pena ser famoso, Guahaihoque.



La Cosecha, con esta canción os sentiréis un poco más en casa, tiene mucha influencia del folk europeo, tiene violín y acordeón. Primera canción en español, aunque lo que he pillado de letra (canta shred) es bastante cutre. 2:19, interludio lento con voz limpia. Por lo demás, una canción alegre y rápida, con el mítico thrashbeat en la batería de todos los grupos folkies (tupaturupa). El grupo, si no me equivoco es bastante conocido allá, se llama Paghania.
Le toca el turno a Folkheim, con su tema 1781. Una de las canciones más tristes y desesperadas del disco, aunque con esperanza. Encontramos coros de tenores y un interludio largo que empieza muy oscuro y sigue muy folkie, con ukelele y flauta. PUM, blastbeat, gritos, riffs a semicorcheas. Respecto a la letra, habla sobre la ejecución de Tupac Amaru II en la Plaza de Armas de Cuzco, Perú. Era el mayor líder de la rebelión indígena anticolonial.
Una canción mucho más tranquilizadora representa sin duda Lamento, una canción acústica con voz femenina. La cantante de Aztra es muy clara, se entiende la letra perfectamente, merece la pena escucharla. Realmente es una canción bastante corta respecto al resto, apenas llega a los dos minutos.
La canción que le sucede no tiene parecidos con el resto del disco. Es power? sinfónico? progresivo? y sobre todo, bien grabado xD. Muy elaborada, con voz masculina y femenina, sin contar la alto y el barítono que se oyen en algunos momentos, es bastante sobrada de potencia. Por cierto, las señas, Brutal Sacrilege de Six Magics.
Volvemos a las canciones de este disco, por así decirlo, con Golden Winds (Quriwayra), del grupo Toccata Magna. Para mi gusto, un grupo de Power Metal de segunda más, muy similar a los grupos del mismo género en España, con una voz que deja bastante que desear. Todo lo que tiene de folk es la intro algunas quenas por enmedio. De verdad, ahora en serio, el cantante es penoso, cada vez que la oigo, más me lo parece, muchas veces ni siquiera llega al tono. Espero que el grupo en sí, que tiene potencial dentro de lo comercial, encuentre algo mejor.
Un temita que empieza muy tipo Hard Rock es Alturas, canción también de Aztra. Instrumental pero esta vez enchufados, también bastante corto. No sé deciros nada en especial del tema xD.
Os acordáis de lo que os acabo de contar de la letra de 1781? Pues el tema de Yamaconas se llama Tupac Amaru, y está en español, bastante bien para enterarse del asunto. Empieza muy bluesero, con sonido del viento, muy rollo hard rock. Pasa a un ritmo más rápido, con un marcado estilo power-heavy metal.
Este tema también para mí merece mucho renombre, sobre todo si sois amantes de grupso como Soulfly y grupos de ese estilo. Muy ambiental, con un perfecto control de las subidas y bajadas, realmente un trabajo de estdio magnífico. La voz me flipa 'magia poderosa, ven hacia mí, entra por mis venas, en mi mente clávate!'. Muy groove y nü, no tiene mucho que ver con el resto del disco pero merece estar aquí. Nehuen, de 2X.



Una melodía muy medievalesca introduce Bajo Hualles y Canelos, un tema bastante poco original, yo creo. El grupo es Wangelen. Lo mejor que tiene son los compases irregulares o en amalgama hacia la mitad del tema. Sin duda este tema estaría mejor en recopilatorio de metal europeo.
Tuta Ch'aska es el claro single del grupo Ch'aska, que no, no significa hoguera en maya xD. Voz típica shred de black metal, me recuerda un poco al estilo de Eluveitie por las flautas y el ritmo de batería. Un registro mas grave acompaña el puente antes del estribillo, cantado en limpio. Este grupo tiene pinta de que puede llegar a despuntar, les deseo suerte.
Tuc, pa tum, tu crá! tu-cri- Tuc, pa tum,... solemne, sencillo, smooth, no sé decirlo en castellano.
Myth From the Ruins es un tema muy relajante pero tenso, liderado por un par de flautas. Quizás demasiado corto, le diría yo a los de Diadema Tristis.
Nuevo Sol de Teotihuacan es el tema más largo del recopilatorio con diferencia: 10 minutos en los que pasamos de una estructura muy de la baja Edad Media a black metal, ambiental y no demasiado oscuro. Yaotl Mictlan. No hay nada demasiado destacable en esta canción, salvo lo bien que encajan cada parte, es una progresión lógica.

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Técnica: 6,5
Expresividad: 6
Originalidad: 7
Lírica: 6
Plus. Opinión personal: +0,6

Nota total: 7

viernes, 1 de octubre de 2010

Manegarm - Urminnes havd (The Forest Sessions)‏

Saludos, soy Drakhai, nuevo en el blog, y ésta es mi primera entrada, espero que os guste.El disco del que vamos a hablar hoy es un disco acústico de un grupo de Folk Metal noruego que no tiene el reconocimiento que debería: con una trayectoria que comenzó en 1998, han lanzado 7 discos al mercado, más 2 demos y una compilación de rarezas. Se les conoce por temas como 'Sigrblot', que podréis encontrar en el youtube. Es un grupo con una marcada religiosidad nórdica, alrededor de la cual gira su música. Este disco es un disco muy especial. Está compuesto de 7 temas, y en él podemos encontrar el timbre de la viola, las guitarras acústicas, varios timbales de cuero, el berimbao, bajo aústico, y dos voces limpias, una masculina y otra femenina. Fue grabado con la ayuda del otro grupo de uno de los miembros de Manegarm, Två Fisk Och En Fläsk.

El disco comienza con Intro, básicamente el sonido de una tormenta, que es una buena entrada para el siguiente tema, Himmelfursten, es decir, 'El Señor del Trueno', funciona muy bien como introductorio. Es un tema con fuerza, enérgico, a un tempo andante, con la clásica mezcla entre himno y melodía de casi todo el folk. Y en este caso el estribillo no dice otra cosa sino 'AsaThor', es decir, Thor el Aesir, el dios de dioses. La letra, una descripción de Thor, un poco de propaganda heathen.



El tercer tema, Utfärd , 'Replanteo' es un tema mucho más rápido y festivo, bastante bailable (en el sentido mas medieval de la palabra xD). El tema es una canción guerrera, de los protegidos de Odín que no tienen miedo a la muerte. Le continúa un tema más espiritual y que es mucho para mí, pues ha representado sueños tranquilos y buenos despertadores durante un verano de viajes y crisis:


Alvaträns, 'Trance Élfico', es muy relajada, con una melodía muy bien armonizada y que realmente invita a relajarse y dormir. Por otro lado, haciendo caso a su nombre, habla del trance adormecido, hasta que llega la segunda parte de la canción, presto, fuerte, cabalgante, impulsa a correr con el viento. "Esta noche, bailaremos hasta que tus pies sangren. Si se rompe el anillo, esta será la noche en la que mueras ... "




Siguiente tema, Hemkomst, vuelta a casa. Se escucha el crepitar en el fuego del hogar, una melodía en ternario de la viola, acompañada por arpegios de guitarra y una caja de marcha, pianissimo. Es un tema melancólico y triste, pero la voz de la cantante enseguida nos reconforta con su infinita dulzura. Nos describe al hombre cansado del viaje, que ha viajado buscando algo mejor separándose de su familia, y vuelve a su tierra morir. Este tema, vikingo o no, está tan a la orden del día...

Una melodía sarcástica a introduce una nueva canción, Döden, cuyo nombre, 'Muerte', que he conocido hace poco, me ha sorprendido mucho tras mi idea general del tema generada tras meses de esucha. Por supuesto, no hablan de ella con melancolía y miedo, vamos a ver, son paganos, no entra eso en su cabeza xD. Tras describirla en un paisaje bélico, una primera persona se une a ella. En lo que a la música se refiere, es la canción mas polifacética del disco: partes fuertes, partes sarcásticas, un estribillo muy suave y una parte rápida.

El disco se despide de nosotros con Vaggvisa, la canción de cuna, la muerte que es el final del ciclo. Le habla a un niño, le dice que duerma, que está seguro, que aunque la planta muera, la semilla crecerá... Y este tema es el más triste, conmovedor, y sin duda, una canción de cuna de lujo xD, y lo digo porque me he puesto este disco para dormir diariamente estos meses de calor desde Alvaträns a fin, y si llegaba hasta esta canción despierto, desde luego no la superaba xD.

Un disco para los amantes del folk, para los aficionados de la música celta, y para los literáfilos paganos.


Link de descarga


Técnica: 7
Expresividad: 8,5
Originalidad: 7
Lírica: 7,5
Plus. Opinión personal: +0.8

Nota total: 8,3

sábado, 28 de agosto de 2010

Drum Nation vol. 3

Aquí está el disco que mencioné en el anterior post, se trata de 12 temas de 12 grandes bateristas, todos de USA (valga la redundancia dado el nombre del álbum). Cada tema tiene su punto y la verdad es que en general el disco es muy bueno, pero dada la variedad de estilos y músicos, esta vez tendré que salirme del formato habitual de las críticas y obviar las puntuaciones.
Haré una descripción de extensión variable sobre cada uno de los músicos y/o sus correspondientes canciones:

Jordan Mancino - Ahh The Fade Out: Batería de As I Lay Dying.

Chris Adler - The Near Dominance of 4 Against 5: Como había prometido, aquí está el famoso tema del batería de Lamb of God junto con Ron Jarzombek de Blotted Science. En mi opinión quizá el mejor tema del disco.



Jeremy Colson - Fluoxetine: Actual baterista de Steve Vai. Un tema bastante pegadizo, está entre mis favoritos.

Justin Foley - Up And Atom: Batería de Killswitch Engage y Blood Has Been Shed.

Jason Bittner - Instr: Otro de mis temas favoritos del disco. Bittner es el batería de la banda Shadows Fall. Es conocido por su habilidad con el doble bombo, ser capaz de tocar patrones complejos a alta velocidad y poder tocar ritmos latinos y jazz.



Kenneth Schalk - Out of Nowhere: ex batería de Candiria. Su estilo es muy variado, con un interesante uso de polirritmos.

Joe Nunez - Grounder: actual batería de Soulfly y Stripping the Pistol.

Tom Taitano - When the Scales Fell: No parece muy conocido pero me sorprendió mucho su habilidad.

Chriss Pennie - YMCA or TCBY: Mathcore puro y duro con una inquietante ambientación al estilo banda sonora de thriller mezclado con locuras electrónicas de la mano de este graduado en Berklee batería actual de Dillinger Escape Plan y Coheed and Cambria.

Derek Roddy - Swirling Patterns: como dije en mi anterior post, para mí el mejor batería que existe. Un tema que comienza con este cabroncete espástico haciendo alarde de su velocidad y sus clásicos blast beats, variedad y creatividad con los platillos y sus conocidos fills de caja y timbales cual ráfagas de metralleta, para luego pasar a un interesante pasaje tranquilo y oscuro. He aquí el tema:



Raanen Bozzio - Impulse: no pude encontrar nada de información sobre este músico, pero parece ser que es el joven hijo de Terry Bozzio (Frank Zappa, Jeff Beck, Korn...).

Michael Justice - Weak Would: otro personaje al que internet no le hace mucha justicia...

Anécdota curiosa: este disco me fué recomendado por mi amigo Joan aka Whisky (podéis acceder a sus dos interesantes blogs en la lista de seguidores del blog), muy fan de Lamb of God y por tanto de Chris Adler, sin conocer a Ron Jarzombek o Blotted Science. La sorpresa fué para ambos cuando descubrí que era él quien tocaba la guitarra en el tema de Chris, y que además está como primer tema en el Myspace de Ron, y que se habían conocido porque fué Chris el primer batería de Blotted Science.

Descargar

viernes, 20 de agosto de 2010

Blotted Science - The Machinations of Dementia

Vuelvo a lo que podríamos llamar mi estilo habitual de música con este post. Hoy les traigo death metal técnico instrumental de la mano de Blotted Science, con su trabajo The Machinations of Dementia.

Alineación del grupo:

Ron Jarzombek (guitarra)
Alex Webster (bajo)
Charlie Zeleny (batería)


Con esta formación solo podemos esperar cosas buenas. La leyenda guitarrística Ron Jarzombek con su enorme talento y vastos conocimientos musicales lidera la banda.
En el bajo tenemos al increíble Alex Webster, bajista de Cannibal Corpse.

La historia de la batería es curiosa, ya que el trío empezó con Chris Adler de Lamb of God y con él se compuso gran parte de la música del disco, lo cual me sorprendió bastante y me hizo adquirir un gran respeto por este músico viendo de lo que es capaz. Pese a no haber participado en la grabación del disco, podemos oír un excelente tema que grabó junto a Jarzombek llamado The Near Dominance of 4 Against 5 en el álbum Drum Nation vol. 3 que ya postearé en una futura entrada.
Después de unos meses Adler tuvo que dejar la banqueta evidentemente por su apretada agenda con Lamb of God y fué sustituído por el que yo considero el mejor batería del mundo: Derek Roddy. Derek dejó el grupo poco después por diferencias musicales y fué sustituído por el polifacético Charlie Zeleny, que como podremos oír en el disco hace su trabajo a la perfección. Entre lo más destacable que hizo puede remarcarse un tour con Jordan Ruddess, teclista de Dream Theater, y haber tocado con The Great Kat.

Pasamos al disco... Por más que lo intente no puedo decir nada malo de esta obra maestra. Técnica sobrehumana, creatividad aplastante y teoría musical bien aplicada en cada uno de sus temas.

Primer tema del álbum:



Uno de mis temas favoritos es Oscillation Cycles, pero en vez de usar Goear preferí incluir este fragmento de un DVD instructivo de Jarzombek. Explica a la perfección cómo lo compuso en base a cambiar de orden las notas de la escala cromática y crear esos riffs ultraprogresivos basados en los 3 acordes disminuídos subiendo o bajando cromáticamente (y por qué son solo 3 con sus correspondientes inversiones por estar separados por 3 semitonos precisamente, un dato interesante si no lo sabíais ya).



Y para finalizar os dejo una demostración de lo que es capaz de hacer Alex Webster con su bajo y su característico sonido "Cannibal Corpse", seguida de más locuras por parte de Ron.



Puntuaciones

Técnica: 9,6
Expresividad: 7
Originalidad: 8
Lírica: instrumental
Plus. Opinión personal: +0,9

Nota media: 9,1

Descarga

lunes, 16 de agosto de 2010

Soil & Pimp Sessions - Pimp Master - Pimp of the Year

Cambio de estilo pero me mantengo en una línea un tanto agresiva, con este grupo cuyo estilo han denominado "Death Jazz", y al oír la mayoría de temas ya notaréis por qué. Este grupo de japoneses locos toca un estilo de jazz muy particular, más que nada por la gran velocidad de la mayoría de sus canciones, que nos mantendrán marcando el ritmo frenéticamente con el pié (a mí me pasa al menos).

Me costó mucho decidir qué disco postear porque la música de este grupo es excelente en su totalidad, así que he decidido hacer un post doble con los álbumes Pimp Master y Pimp of the Year.
Mi buen amigo Diego (a quien felicito por sus recientes logros pianísticos) dió con este grupo de una manera bastante curiosa, pues en realidad estaba buscando en Youtube algo relacionado con la banda de Death Metal Suffocation y le salió el video de dicho tema de Soil & Pimp Sessions. Un gran descubrimiento involuntario. Y hablando de Diegos, es muy probable que otro amigo Diego aka "astroboy" esté posteando dentro de poco en el blog, y podamos así nutrirnos de sus vastos conocimientos sobre música de décadas pasadas.

Os dejo el video del que hablaba:



Quizá os estéis preguntando quién es el tipo del sofá... Más información a continuación...

Esta es la alineación del grupo:

Akita Goldman (contrabajo)
Josei (piano, teclados)
Midorin (batería)
Motoharu (saxo)
Tabu Zombie (trompeta)
Shacho (agitador)


Y ahora no busquéis qué instrumento es un agitador, porque Shacho, también conocido como "Presidente" o "el tipo del sofá" es el agitador en sí. Se trata de una figura muy peculiar al que podemos ver a menudo con un megáfono en la mano, como todo buen agitador, aunque además de animar a las masas en directo es una especie de cantante o mejor dicho recitador de poemas cuyo significado estrafalario puedo intuir aún no sabiendo japonés. Puede parecer poco trabajo comparado con el de unos jazzistas virtuosos frenéticos, pero aporta un punto original al grupo y yo al menos enseguida le cogí cariño.

Dado que han hecho videos de los que considero los mejores temas de ambos discos, he decidido pasar de Goear en este post y tirar solamente de Youtube.

Aquí está "Crush" del álbum Pimp of the Year:



Y para finalizar, Summer Goddess, del mismo álbum:



Puntuaciones

Pimp Master

Técnica: 8,5
Expresividad: 9
Originalidad: 7,5
Lírica: *Prácticamente instrumental*
Plus. Opinión personal: +0,8

Nota Media: 9,1

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Pimp of the Year

Técnica: 8,5
Expresividad: 9
Originalidad: 7,5
Lírica: *Prácticamente instrumental*
Plus. Opinión personal: +0,7

Nota Media: 9

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viernes, 6 de agosto de 2010

Pendulum - Hold Your Colour {2005}

Entrada Express: Más música electrónica, esta vez un grupo menos variado/original que los anteriores, ya que casi exclusivamente escucharemos Drum and Bass(O "druman" como me gusta llamarle) en este álbum debut de Pendulum, un grupo australiano. El druman es un género de música electrónica orientado hacia el baile y el ambiente nocturno, por lo que estamos ante música rápida, repetitiva y rítimica (principalmente breaks y un bajo contundente).

Este es un disco de Drum&Bass muy electrónico, a diferencia de otras variantes que utilizan samples de otros estilos no electrónicos. De hecho, este género surgió bajo el nombre de "jungle" en Inglaterra hace 20 años sampleando principalmente reggae u otros tipos de música jamaicana, pero, como esto se relacionaba con la delincuencia, progresivamente fue volviéndose cada vez más electrónico, consiguiendo así mas popularidad, y dejando al "jungle" original como una música marginal y underground, aunque hoy en día ha recuperado algo de importancia en la escena.

De hecho, y volviendo al CD, aquí podéis oír un tema con pinceladas "jungle". Para mi gusto es de los mejores del disco, tiene una intro reggae lenta muy envolvente y cálida, que genera un ambiente que se estropea un poco cuando la canción acelera y se vuelve pure drum&bass, perdiendo el encanto hasta que suena el estribillo.


Por desgracia esa no es la linea de Pendulum(y la mayoria de artistas druman actuales), que como ya adelanté tiene un estilo muchísimo mas electro y "máquina". Esto no es necesariamente negativo(entre otras cosas gracias a la excelente producción y calidad de los sonidos), a pesar de que no faltan tracks excesivamente rayantes, en "Hold your Colour" hay bastantes temas "máquina" enérgicos y pegadizos, como por ejemplo"Fasten your Seatbelt" o "Slam". El primero es especialmente pegadizo:


Tanto "Slam" como "Prelude", introducción que lo precede, crean una atmósfera muy épica, estilo banda sonora, algo inusual en el género y que sin duda hacen que sea de los mejores temas del disco. En contraposición a ese ambiente épico, el videoclip, que es una versión acortada pero que incluye la intro, es mas bien humorístico-ridículo (aunque con un trasfondo dramático e incluso crítico.. xD), pero tiene gracia xD.



Vamos, que si quieres escuchar buen drum&bass, o simplemente buscas música sencilla y entretenida, descárgate este disco. Si no es así, pues échale un vistazo a los demás discos que hay en el blog, ya que muchos de ellos son todo lo contrario, o difieren ligeramente.

-

Técnica: 7,5
Expresividad: 6
Originalidad: 7
Lírica: Irrelevante
+0,5


Nota Media: 7,2

lunes, 2 de agosto de 2010

Diabologum - #3 [1996]


«Ce n'est pas perdu pour tout le monde...»

Eran mediados de los '90 y con este su tercer disco los franceses Diabologum se colocaban entre los grandes del rock independiente con alma experimental. No es que sus anteriores trabajos (ya como Diabologum o con otros nombres) fueran mediocres, pero transitaban un poco por tierra de nadie dejando entrever muchas de sus influencias que iban desde la lo-fi hasta el noise, pasando por el slowcore (recordemos aquella versión de Codeine del Le goût du jour). Con #3 los galos daban un paso al frente, definiendo una voz propia y única, que los convertiría en adelante en todo un referente. Además también sería su último disco (olvidémonos de algún EP más que publicarían), las tensiones entre los dos motores creativos de la banda, Michel Cloup y Arnaud Michniak, llevarían a la ruptura dando lugar poco después a dos bandas que recogían el testigo, respectivamente: Expérience, a los que podríamos ver como el lado "positivo", más orientado hacia las canciones pop/rock, y Programme, el lado "negativo", con un tono más oscuro y experimental.





Pero, ¿en qué consiste este sonido propio del que hablo? Diabologum unía a la instrumentación clásica de un grupo de rock, con unas guitarras estridentes pero a la vez melódicas, la utilización de samplers y sonidos programados consiguiendo crear un sonido opresivo y asfixiante. Estos ambientes confieren al disco un tono un tanto depresivo que parte incluso de la propia portada. Los textos de gran calidad (hasta dónde puedo descifrar) son lanzados en un estilo a medio camino entre lo cantado y lo recitado, lo rapeado y lo hablado. Entre mis momentos favoritos del disco pondría las dos canciones que darían pie a dos singles/EPs, À découvrir absolument y 365 jours ouvrables; La maman et la putain (con un sampler que recoge un soliloquio de la película homónima de Jean Eustache) y Une histoire de séduction (ese piano me pone los pelos de punta). También contiene una irreconocible versión del Blank Generation de Richard Hell & The Voidoids.

Un pequeño clásico de los '90.

1 - De la neige en été
2 - Il faut
3 - Les angles
4 - Une histoire de séduction
5 - À découvrir absolument
6 - 365 jours ouvrables
7 - Dernier étage
8 - La maman et la putain
9 - Un instant precis
10 - Blank Generation

Descárgatelo aquí.

Técnica - 7'5
Originalidad - 8
Expresividad - 9
Lírica - 8
Plus personal - 0'5

Total - 8'625

Theory in Practice - Colonizing the Sun

Primer post mío en este gran blog. Empiezo con esta excelente banda sueca de death metal técnico. Han estado parados desde el 2004, aunque en teoría no están disueltos (esperemos que sea teoría en práctica). La última alineación del grupo fué un tanto peculiar y orientada más bien a la grabación del disco. Henrik Ohlsson, quien era batería hasta el momento y es el actual batería de Scar Symetry, se encarga de la voz en este disco, dejando la banqueta a Patrick Sjoberg, otro gran batería. Por tanto esta fué la formación de la banda durante la grabación de Colonizing the Sun:

Mattias Engstrand - Bajo, teclado
Peter Lake - Guitarras
Henrik Ohlsson - Voz
Patrick Sjoberg - Batería

Lo que más destaca en este disco son los ritmos progresivos y la espectacularidad técnica de la guitarra, pero sobre todo encuentro el disco muy innovador y original para ser del año 2002, gozando de estilo propio incluso hoy en día cuando ya tenemos muchísimo más material del género. Los riffs y los solos son muy creativos y complejos a lo largo de todo el disco, resaltando el sonido de las guitarras (foco principal del disco prácticamente). La batería se mantiene al ritmo frenético de los temas, destacando mucho el juego de pedales y las síncopas de la caja.

Los teclados acompañan muy bien marcando la armonía de fondo o doblando melodías de la guitarra y adquieren bastante protagonismo en ocasiones, demostrando Mattias su virtuosismo al doblar o relevar los solos de Peter.

El bajo es prácticamente inaudible y rara vez se oye lo que está haciendo, y aquí pasamos a otros puntos negativos a destacar en el tema mezcla. Al bombo en mi opinión quizá le faltan graves y llega a ser difícil de distinguir en ocasiones, ya que han abusado del refuerzo sobre los 4 a 5KHz como está de moda con muchos grupos de death metal pero parece que se han dejado los graves por el camino (y quizá un poco bajo el fader). El sonido de la caja es también bastante pobre, le faltan graves, volumen y dinámica, se puede notar por ejemplo en el fragmento acústico a partir de 1:04 en el tercer tema, The Psycomantum Litany. A esto hay que añadirle el volumen un tanto exagerado de las guitarras que hace que todo lo demás se quede por detrás y sin mucha fuerza. En conclusión: la batería se queda un poco de fondo.

La voz es bastante típica del género death metal melódico, aunque quizá no tan rasgada, pero en definitiva combina muy bien con la música y dejando claro que la batería no es lo único que se le da bien a Henrik.
La temática de las letras es bastante variada: el cosmos, evolución, clonación, rebelión de las máquinas, conspiración (Illuminati)... Una especie de combinación
de argumentos de películas de ciencia ficción.

Dejando aparte el tema mezcla, es un gran disco que ningún amante del death metal técnico y/o melódico debería perderse, con una gran creatividad y complejidad a nivel composición y técnica.

Os dejo como muestra el tema que para mí es el culmen de la obra de este grupo, y con el que los conocí, la canción que da título al álbum. Lo que más pasmado me dejó fué el solo y su armonía.



Y a continuación el tema que considero el segundo mejor del disco, riffs muy graves y agresivos, acentos cambiantes y un formidable solo de guitarra y teclado, alternando con la guitarra sola, doblada a terceras en el último tramo rápido.


Puntuación:

Técnica: 9,5
Expresividad: 7
Originalidad: 8
Lírica: 7
Plus. Opinión personal: +0,6

Nota media: 8,5

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miércoles, 21 de julio de 2010

Au Revoir Simone - The Bird of Music {2007}

Estoy de vuelta, después de haber disfrutado de mis exámenes y de mis vacaciones también. Y he pensado que ya esta bien con el punk.. No mas ruido en mis entradas hasta dentro de un tiempo. De hecho, os presento a las antípodas del punk(no en el aspecto de la complejidad xD): El electro/indie/dream/pop/azúcar de las estupendas Au Revoir Simone.

Conocí este trio de féminas teclistas (Si, todas tocan alguna clase de teclado, simultáneamente, como comprobareis más adelante) gracias a la misma persona a la que hoy le dedico esta entrada, uno de los más fieles seguidores de nuestro blog (y también del grupo en cuestión): Ark, alias Krynsar.

Musicalmente, estamos ante un grupo que busca la fácil belleza en simples melodías (muchas de ellas pegajosas), aunque a menudo acompañadas con cierta complejidad: además de tres teclados, tenemos tres vocalistas(cada una con su "estilo", por no decir que unas cantan mejor que otras xD), por lo que cuando se lo proponen pueden armar complejas polifonías.. Peeero no es frecuente, ya que resultaría demasiado pesado, y de hecho optan por la simplicidad casi siempre. La producción es muy buena, los sonidos que emiten sus sintetizadores muy agradables, etcétera.

Este es el segundo de un total de tres discos, y para mí el mejor (El primero no lo he oido). Como es música bastante comercial abundan los videoclips, que os invito a ver en youtube, ya que no hablaré de ellos porque me parecen de los peores temas del disco, y que lo mejor que tienen son las faldas floreadas que llevan ellas. En su lugar pondré de muestra el primer track, "The Lucky One", que me parece de los más expresivos y bellos, ingenuo, inocente, como añorando una dorada infancia.


Antes de hablar de la segunda muestra, voy a citar un dato importante: A pesar de no ser, ni mucho menos, mi género preferido, cuando hace unos años fui a un concierto suyo con el ya citado Krissia, me quedé fascinado y sin duda fue y sigue siendo la mejor exposición musical en vivo y en directo a la que he asistido. Llegamos con 10 horas de antelación, lo menos, porque creíamos que habría cola.. Acabamos solos en el edificio con nuestras musas y conseguimos autógrafos y todo xD. Pasaron eones y empezó el concierto, que tuvo una puesta en escena buenísima, muy buen ambiente y también buena música. Pero....... No tocaron su mejor tema, el primero que conocí de ellas, el clásico, el mítico, el críptico, : -THE FLAME-. Por más que lo pedimos a gritos ni puto caso, y jamás se lo perdonaré. Y por eso, traigo hoy a este blog "A Violent yet Flammable World" (Así se llama de verdad). He hablando demasiado del concierto así que me limitaré a decir que me parece delicada y épica armonía espacial, y que no moriré sin haberlo escuchado en directo.


Bueno, y hasta aquí llega mi entrada. Feliz cumpleaños Ark. (Perdón por retrasarme más de un mes). THE FLAAAAMEEEE! never dies.

-

Técnica: 6
Expresividad: 8
Originalidad: 7
Lírica: 7
+0,7


Nota Media: 7,7

Descargar The Bird of Music

viernes, 25 de junio de 2010

Jimsaku: Navel (1994)

¡Y sí! Vagando por oriente donde parece que me pasaré el verano... Además regresamos al Jazz Fusion con un duo formado por dos exmiembros de Casiopea (grupo de jazz fusion con bastante éxito en japón): Akira Jimbo (batería) y Tetsu Sakurai (Bajo).

¿Y qué tiene este grupo de especial? Posiblemente no mucho, excepto por el protagonismo que adquieren evidentemente el bajo y la batería. Notaremos que muchos temas cuentan con instrumentos adicionales, teclados, guitarras, metales, violín incluso; en definitiva, instrumentos típicos en el género que constituirán temas con un sonido tambien típico, aún así, quizás algo más interesante en el disco es el contar con temas con únicamente batería y bajo y algún otro tema con sólo un par de instrumentos adicionales conservando gran protagonismo de bajo y compañía; por lo demás, no vamos a encontrar mucha novedad.

El disco por lo general tiene bastante energia, sobre todo los dos temas exclusivos de bajo y batería: Big Man y Guru Guru labyrinth. Uno de mis temas favoritos del disco junto a estos dos últimos, es Tokyo tower of power, que puede recordarnos a Trix, Casiopea, T-square y otros grupos de Jazz Fusion japoneses.

En conclusión, un buen disco a pesar de no ser especialmente destacable, cumple su función: melodias variadas, cierta complejidad, buena técnica y para algunos tendrá el plus de ser instrumental y algo versátil.

Puntuación:

Técnica:  8,5 
Expresividad: 7 
Originalidad: 7 
Lírica: *Instrumental* 
Plus. Opinión personal: +0,2


Nota Media: 7,2

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miércoles, 23 de junio de 2010

Muhal Richard Abrams - Levels and Degrees of Light (1968)


Muhal Richard Abrams es quizás una de esas piezas claves un tanto desconocidas de la escena Avant-garde del jazz de los años 60 y 70. Fundamentalmente conocido como pianista y compositor fue uno de los fundadores y primer presidente de la AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) organización dedicada a la difusión y promoción jazzística importante ya no sólo a nivel local en Chicago sino en los Estados Unidos en general. Ha publicado como líder más de una veintena de discos así como colaborado con innumerables artistas además de dedicarse a la docencia. Credenciales, por tanto, no le faltan.

Precisamente puede que este Levels and Degrees of Light (publicado por Delmark en 1968) sea uno de sus álbums más importantes, tanto por calidad musical como por suponer su debut como líder de una formación. El disco se compone de tres piezas de duración media-larga. La primera y que da título al álbum, parece querer ofrecer precisamente lo que sugiere su título, diferentes niveles y grados de luz. Abrams nos presenta una luz diáfana y limpia como la de los primeros rayos de sol en el despertar de la primavera. El comienzo de la pieza con la voz de Penelope Taylor, el vibráfono y demás percusiones consiguen reproducir ese tipo de atmósferas tan especiales. También es de destacar como, ya avanzada la canción, aparece el clarinete áspero y desgarrado de Abrams tomando la dirección del sonido y llevándolo a nuevos niveles.

En la segunda de las piezas, The Bird Song (algo así como La canción del pájaro o El canto del pájaro), estamos ante la representación tan habitual del pájaro como sinónimo de libertad, ya no sólo en el aspecto creativo sino también en el socio-político muy en sintonía con el espíritu del free jazz de los años 60-70. Comienza esta pieza con una breve introducción seguida del recitado en solitario de David Moore (la declamación poética, con sus ritmos y acentos, consigue también crear un efecto "musical" en el oyente). Al final de sus palabras se abren paso el contrabajo (tocado con arco) y el violín de Leroy Jenkins, acompañados de cantos de pájaros pregrabados, campanas y demás percusiones en lo que parece un auténtico despertar de bandadas de pájaros (quien haya vivido o viva cerca de alguna población de pájaros sabe de lo que hablo). Y de repente estalla el caos. Cesan las cuerdas, el contrabajo se pasa al pizzicato, entran Abrams al piano y uno de los saxos con la batería en estado de ebullición. Poco después entra el segundo saxo liberando aun más al conjunto en uno de los momentos más excitantes del disco con los diálogos entre Anthony Braxton (en lo que es su primer registro fonográfico) y Kalaparusha Maurice McIntyre, chillando y aullando, buscando los límites de sus instrumentos. El tema acaba con una vuelta al comienzo con los cantos de pájaro pregrabados, las cuerdas frotadas y las campanas.

La tercera y última de las piezas, podríamos decir que es la más "jazzística". Se abre con la exposición del tema con el cántico My Thoughts Are My Future - Now and Forever (Mis reflexiones son mi futuro - ahora y por siempre) para después abrir paso a los diferentes solos. Comienza Abrams al piano con su estilo, abrumador y frenético, y después se van alternando los dos saxos y la batería. Mención a parte pienso que se merece el trabajo del contrabajista Charles Clark tanto en su solo como en el disco en general. Hacia el final vuelve a sonar el conjunto para acabar nuevamente con la voz de Penelope Taylor acompañada de las campanas y del vibráfono de Barker. En suma, y como se extrae del título de la pieza, se trata de todo un manifiesto estético o declaración de intenciones.

Abrams y sus colaboradores dieron en el clavo con este disco, consiguiendo equilibrar diferentes polos: la composición y la improvisación; los solos y el conjunto; la calma y el caos. Estamos ante todo un clásico del jazz de vanguardia que sirvió a su autor como una muy buena primera piedra sobre la que poder edificar su discografía y que seguro hará las delicias de cualquier amante del género.

Intervienen:
- Muhal Richard Abrams: piano y clarinete
- Anthony Braxton: saxo alto
- Maurice McIntyre: saxo tenor
- Leroy Jones: violín
- Gordon Emmanuel: vibráfono
- Charles Clark: contrabajo
- Leonard Jones: contrabajo
- Thurman Barker: batería
- Penelope Taylor: voz
- David Moore: recitado

Descárgatelo aquí






Puntuación:
Técnica - 8.75
Originalidad - 8
Expresividad - 8
Lírica - Mi inglés no me da para comprender perfectamente las letras, las busqué por internet pero no hubo suerte. Así que dejo la nota en blanco.
Plus. Opinión personal - +0'5
Total - 8'75

jueves, 17 de junio de 2010

Gostwind: korean Road (2006)

Seguimos en oriente, esta vez un grupo de Folk Metal desde Corea del sur. Puede que no sea precisamente virtuoso, ni tampoco muy innovador por aquello de mezclar música tradicional con el Metal, pero sí puede resultar algo curioso y entretenido, además de ofrecernos un sonido distinto a lo que acostumbramos a oir, no por originalidad, si no diferencias culturales.

Para empezar, tenemos una vocalsita con una voz un tanto peculiar, utilizando un estilo de canto tradicional, el pansori que originalmente sólo se acompaña de percursión, nos puede resultar chocante, extraño, raro, incluso la voz de la vocalistao nos puede parecer la de una niña pequeña, por ejemplo en Tears in memory y en ocasiones sutilmente rasgada. Además de esto otra característica folk del grupo es la inclusión de el daegeum, flauta travesera tradicional de corea, que junto a la vocalista se podrian considerar los aspectos más técnicos del grupo, pues guitarra bajo y batería sólo acompañan y no tienen un papel muy brillante, rozando en ocasiones lo simple.
Entre todo esto, tambien añadir que para el disco se incorporó un violín eléctrico interpretado por un músico de sesión, que ayuda a reforzar el sonido folklorista.

Aunque considerado Folk Metal se trata de un metal muy suave, al menos en este disco; ubicandose en el umbral entre el metal y el hard rock, aún así hay canciones más duras como Wing pero igualmente lo más interesante del disco es su influencia folk y no su sonido metal.

En definitiva, un grupo aceptable, curioso e interesante, pero nada espectacular ni sorprendente. Recomendado para quienes gusten del folk.

Puntuación:

Técnica:  7
Expresividad: 7,25
Originalidad: 7,25
Lírica: líricas no descifrables 
Plus. Opinión personal: +0,2


Nota Media: 7,2

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lunes, 14 de junio de 2010

Shi fu: The pond of fairy mother's abode (1999)

Vámonos por un momento a China. No puedo decir mucho de este disco, pues lo encontré fortuitamente mientras buscaba otra información de índole musical, además de ser de origen oriental resulta practicamente imposible recaudar información para quién no entienda chino, en este caso.

El disco en sí no es nada espectacular, más bien nos proporciona una serie de temas tranquilos, atmosfericos y relajantes con una fusión de música típica de china, tanto tradicional como clásica, con sutiles toques orientales.

Como es de esperar, nos vamos a encontrar con diversos instrumentos típicos de china. 
Entre estos instrumentos nacionales nos encontramos con un posible Erhu (pudiendose tratar de otro huqin arriesgo por el Erhu por ser el instrumento más conocido y utilizado a demás del típico solista) también conocido como "violín chino", a pesar de que existe otro huqin (instrumentos de cuerda con arco) con un registro más agudo: el Gaohu.
Este instrumento curiosamente puede sonar muy similar a la voz humana en determinadas ocasiones (sin articular palabras, obviamente), podemos encontrarlo en el quinto tema del disco; Ask For Today's Liquor junto a otros conjuntos de cuerdas.

En Changed Sentiment, uno de mis temas favoritos del disco, por no decir mi favorito, nos ofrece como protagonista a la flauta travesera de bambo Dizi.

A lo largo del disco también escucahremos a la flauta de pan; la pipa (laúd);  diversas cítaras, siendo la más clara el Guzheng, lo identificaremos fácilmente en el sexto tema, tratandose de esos arpegios tan familiares y típicos en la música china, entre otros, además de instrumentos occidentales como el piano y conjuntos de cuerdas

En conclusión, un disco agradable que intenta introducirnos en el sonido de la música china, a pesar de algunas desviaciones que hacen que no podamos considerar a este disco de folk puro, o una muestra de música étnica verdadera, pero por supuesto una atmosfera exótica para los amantes de la música de las distintas culturas.



Puntuación:

Técnica: 8,5
Expresividad: 8 
Originalidad: 7,5
Lírica: *Instrumental*
Plus. Opinión personal: +0,1 


Nota Media: 8,1

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